FOTO POVERA, des pratiques alternatives

« Nos vies heureuses », exposition de Catherine Merdy à la galerie Batignol's Art, Paris, 3-10 novembre 2011

2011-10-24T04:18:00.000-07:00

« Photophonie », une exposition de Driss Aroussi et Karine Maussière, Marseille, 4 novembre-17 décembre 2011

2011-10-24T02:12:00.000-07:00

Serions-nous tous devenus des « bons » photographes ? (2)

2011-09-07T02:33:00.000-07:00

de la série « Sans qualité » (titre provisoire)

(Samsung Nexus S Android Application « vignette »)

« Serions-nous tous devenus des bons photographes ? », c'est la question que je me posais récemment, découvrant les fonctionnalités des nouvelles générations de téléphone mobiles qui permettent, notamment, de faire de « faux polaroids », ou de la lomographie etc. Comme si, désormais, l'on ne pouvait faire que des « bonnes » photos. Cela me semblait trop facile et un peu suspect. J'ai multiplié les prises de vue avec une curiosité boulimique.

Finalement, « bonnes » ou pas, des images que j'ai ainsi réalisées, celles que je préfère sont celles qui me font penser à ces notions souvent évoquées ici et par mes amis : « images-sensations (Serge Tisseron) », «images précaires », « fragiles », « infimes » (titre d'une série de Marc Donnadieu ». Mes préoccupations esthétiques demeurent inchangées, elles sont les mêmes que celles qui m'animaient lorsque je réalisais mes premières « Littoralités » argentiques en 1996 à l'aide d'une box brownie Kodak 6 x 9 cm.

Serions-nous tous devenus des « bons » photographes ?

2011-08-03T05:40:00.000-07:00

(Samsung Nexus S Android - Application « vignette »)

A la demande de Jean-Michel Verdan, sur la page Facebook qu'il a nommé « Devoir de vacances », je viens de publier cette image, accompagnée du commentaire :

« Pas de vacances pour moi cet été hélas, mais je fais mon "devoir" comme promis, avec ce morceau de papier photographié hier soir à Paris, surgi comme un signe, une arabesque infime et fragile sur le sol...

On l'aura compris, j'aime le non-événementiel et déteste tout ce qui est spectaculaire, je préfère la "photo-sensation" à la "photo sensationnelle" (Serge Tisseron). »

Il y a un an, j'ai découvert les surprenantes fonctionnalités des nouvelles générations de téléphone mobiles qui permettent, notamment, de faire de « faux polaroids ». refusant ce qui me paraissait relever du gadget, sinon d'une « trahison » du « vrai » film instantané, un « faux » en quelques sorte, je me suis progressivement pris au jeu, et il m'est arrivé de plus en plus souvent d'emprunter les I-phones de mes amis, et depuis peu leurs Samsung Androïde, tout en refusant d'en acquérir un. La qualité des travaux d'amis tels que Rémy Weité ont fini par nuancer mon avis, à tel point que, mon téléphone venant de rendre l'âme, j'ai fini par en acquérir un (il est vrai que le prix était alléchant : 1 euro seulement !).

Jusqu'alors, ce qui m'intéressait dans la pratique de la photo avec le téléphone le plus basique possible ou le sténopé numérique, c'était de dégrader le signe ou le signal pour obtenir une image pauvre, floue, pixelisée...

Avec fébrilité, jubilation, je multiplie les prises de vue depuis hier ; je reste toutefois un peu dubitatif , il me semble désormais tellement facile de faire une « bonne photo » que je me pose cette question : serions nous tous devenus tout à coup des « bons », voire des « grands » photographes ?... Beaucoup d'interrogations, de doutes. Tant mieux. Pour reprendre l'expression et le concept majeur du mémoire Doutes - incertitudes au cœur de la matière photographique (2011) d'Angéline Leroux, « Le doute comme outil critique et créatif », une fois de plus.

Ma box 6x9 cm est mon crayon de papier ou mon stylo bic

2011-06-04T05:08:00.000-07:00

« Vers Ischia, septembre 2007 »

(Diana - F)

A propos de mon article, « Du doute comme outil créatif et critique », une personne m'a écrit :

« Bonjour, j'adhère aussi sans toutefois faire de distinction fondamentale entre appareils sérieux et appareils cheap pour le "quand cela est possible". »

C'est vrai que le plus important est la posture mentale etc. Si la technique n'est pas si importante, elle l'est un peu tout de même.

Mais oui, c'est vrai, on peut aussi photographier avec un appareil profesionnel, « sérieux », comme un enfant ! Il n' a pas de règle en fait... Toujours est-il que, personnellement, je me sens plus à l'aise avec un petit boîtier amateur. J'ai une formation pro en photo et après trois ans d'école, je me suis senti libéré en l'adoptant (ou est-ce elle qui m'a adopté ?) de mes fixations techniques ou technologiques, j'y pensais tellement que je n'arrivais plus à photographier.

La box 6x9 a cm, comme les Holga et autres Diana, a pour moi la simplicité et légèreté du stylo bic ou du crayon de papier - j'utilise des ordis des logiciels de traitement de texte, mais je reste atttaché à l'utilisation de ces objets humbles et manuels... comme à l'envoi de cartes postales (l'une des formes idéales d'ailleurs pour moi de la diffusion de mes "Littoralités") et d'autres rituels dont on a, en si peu d'années, parfois perdu le goût, l'usage...

« Du doute comme outil créatif et critique », journal des Boutographies de Montpellier, 18 mai 2011

2011-06-04T04:52:00.000-07:00

« Trapani, juin 2011 », ou le hasard bienveillant (2) ?

2011-05-05T02:57:00.000-07:00

(Box 6x9 + pellicule Ilford FP 4 périmée)

Quelle déconvenue, tristesse de découvrir cette pellicule au grain étrange inégalement réparti, marbré. Il ne s'agissait pas de réticulation, mais d'autre chose. C'est vrai que j'ai utilisé en Sicile, comme souvent, en partie de la pellicule noir et blanc périmée depuis... 1990. Mais jusqu'à présent je n'avais pas rencontré de problème. Ces vues réalisées il y a presque un an auxquelles je tenais tant, étaient-elles définitivement perdues ? J'en ai parlé à un ami photographe, bien meilleur technicien que moi, car, faire de la Foto Povera d'accord, accepter les accidents inhérents au manque d'étanchéité des boîtiers, d'accord, mais il ne s'agit pas de faire n'importe quoi non plus, et n'importe! Mais Didier, non sans humour, m'a fait cette réponse belle et juste : « [concernant] la photo "à grains'', cela ne me dérange pas, on dirait, la mer étant à coté, que la pellicule est tombée dans l'eau et que cette eau en séchant a déposé ses grains de sel (et non pas d'argent!) ».

Le hasard bienveillant, une fois de plus (comme le regard de cet ami) ? …

A propos du « hasard bienveillant » :

http://yvigouroux.blogspot.com/2011/04/pourquoi-collectionner-une-memoire_27.html

« Vers Capri, 2003 »

2011-04-30T04:18:00.000-07:00

« Vers Capri, fév. 2003 »

(Box 6x9)

Un voyage lent, en bateau, dans la baie de Naples, vers cet île idéalisée. Une vision fluide et pourtant figée, et ce sentiment de voir mieux, en tout cas autrement, malgré les vitres sales et l'eau qui les éclabousse...

Le titre du texte que Christian Gattinoni consacra à mes « Littoralités » en 2002, s'intitulait « Le lent cinéma d'une archéologie prospective. » J'aime ce titre et son rythme, de plus en plus.

La fenêtre-appareil de vision a quelque chose en effet d' « archéologique », d'une ruine en mouvement (derrière moi, Herculanum et Pompei sont à quelques km de là...), vivante.

Jeux d'opacités et de transparences, de silences et de bruits mécaniques et liquides, cristalisés dans la pellicule.

Un temps et un espace à part, que ma petite box 6 x9 me semble générer, une box litéralement « magique » comme l'Agfa Box de Günther Grass (Cf. son roman éponyme publié en 2010).

Je lis beaucoup en ce moment Jean Dubuffet : « Que le tableau se fasse d'un bloc et d'un seul élan. Pas de rapiècements, donc, ni plus de retouches qu'à une céramique refoidie. Laisser tous les manques et les défauts. » C'est ce dont je rêve en photographie, et dans tous les domaines d'expression.

« Un aperçu des pratiques contemporaines du sténopé », Artothèque de Vitré, 26 mars-15 mai 2011

2011-03-10T03:08:00.000-08:00

« Et toujours ce mouvement de va-et-vient », exposition de Joseph Charroy et de Florence Cats à Bordeaux, du 11 mars au 1er avril 2011

2011-03-03T05:23:00.000-08:00

http://fotopoveradespratiquesalternatives.blogspot.com/2010/11/douceur-et-sensualite-du-flou.html

« SANS OPTIQUE », par Judith Baudinet

2011-03-02T05:30:00.000-08:00

« Portrait de chantier – Champs Ronds, Massy 2009 »

(115 x 105 cm )

« Je ne prévois pas. J’explore. Je ne sais rien.

Ma seule constante est la méthode, la technique,
le processus, la réaction chimique.

La vie est mon laboratoire. Je m’y rends les mains nues.

Quitte à me blesser ou manquer d’hygiène.
Elle est là ma légende.

Et c’est celle-là la trace. Une brûlure de contact.

Ce que je donne à voir, c’est cette cicatrice.

Un souvenir aux bords indéfinis et à la couleur sale.

Sans optique, ni viseur. Je cadre dans ma tête.
Une vue de l’intérieur.

Jamais vraiment certaine que la photo soit faite,
que la chose ait eu lieu.

Tant d’images vues, rêvées, jamais élucidées.

Tant de révélations après le développement.
Temps. Lumière. Air qui passe.

Moments de lucidité.

Avec ma boîte de conserve comme appareil-photo :
c’est 20 secondes au moins pour prendre seul un cliché.

Un nuage glisse, tout est changé.

Pénétration d’indices jamais perçues par l’œil.

Photos d’aveugle,
puis vision qui se recouvre au gré de la chimie.

J’accouche le papier autant qu’il me féconde.

Par-delà la mémoire, de ce tout petit trou,
de cet énorme ventre.

En dehors des milieux, mais collant à l’Histoire.

Ouvrir la brèche, l’impact de la balle : une fenêtre.

Il faut bien que l’air et la lumière passent.
En dehors de tout contrôle et de toutes théories. »

(Judith Baudinet – 2009/2010)

Exposition de photographie « Un aperçu des pratiques contemporaines du sténopé », artothèque de Vitré, 26 mars-15 mai 2011

2011-02-19T05:10:00.000-08:00

Le sténopé en quelques mots (camera obscura & écriture littéraire)...

2011-02-13T12:16:00.000-08:00

(sténopé numérique / Digital Pinhole)

L'on m'a proposé cette année plusieurs interventions et commissariats (en Bretagne pour commencer, à l'Université Rennes 2 puis l'artothèque de Vitré) sur le sténopé, auxquels j'aurai le plaisir d'associer plusieurs amis (Judith Baudinet, Patrick Galais, Collectif Oscura, inesdelaisla, Catherine Merdy, Guillaume Pallat...) qui le pratiquent sous sa forme argentique (je ne le pratique depuis 2007 que sous une forme numérique) avec talent et de manière non convenue... Outre le visionnage de leurs photos, mon travail préparatoire me conduit, entre autres, à reprendre la lecture interrompue il y a plusieurs mois d'un livre d'Anne-Marie Garat, où processus de fabication de fiction littéraire et magie de la camera obscura matricielle, se confondent, une fois de plus :

« On dirait que le papier peint présente, à cet endroit, une zone plus claire. Est-ce un reflet du miroir qui, captant la lumière incidente, renvoie de la pièce une image inversée, un peu plus pâle que la réalité, dont le voisinage contamine l'endroit ? Ou bien le reflet terne du jour sur le marbre de la commode dont l'ombre portée donne, par contraste, plus de clarté à cette place. »

(Anne-Marie Garat, István arrive par le train du soir, Editions du Seuil, 1999, p. 148)

http://www.criee.org/IMG/pdf/Dossier_presse_Stenope.pdf

« Ellipses et Silences, les polaroids d'Elise Boularan » (entretien)

2011-01-17T11:06:00.000-08:00

« Indéfini-Moi », 2010, tirage 60 x 60 cm

Yannick Vigouroux : Une des questions que je me pose souvent est celle de la pertinence de l'agrandissement des polaroids (comme le font par exemple Knut Maron ou Corinne Mercadier, et ce que j'ai fait il y a longtemps aussi) ? Or j'ai vu que, dans une exposition à Lyon, tu avais pris le parti de montrer tes polaroids originaux sur un fond blanc qui donne une belle respiration. Ils sont entourés d'une baguette claire, un mode de présentation simple que j'aime beaucoup... Les vendais-tu comme pièces uniques, comme je l'ai fait à la galerie Satellite, à Paris, en novembre dernier, avec mes propres polaroids ?

Elise Boularan : Pourquoi agrandir les polas ? J'ai pris le parti pris de cet agrandissement par souci de décontextualisation. J'ai besoin de décontextualiser une image afin que celle-ci puisse se substituer à tout ce que je voudrais dire. Du coup, le bord blanc, propre au polaroid, est ôté également. Enlever les éléments ramenant uniquement au médium, pour voir l'image pour elle-même, et ce qu'elle en dit. Même si le medium lui-même fait partie intégrante de ma démarche... Dans mon travail, tout se passe comme si l'assignation (référentielle, spatiale et temporelle) des portraits et des lieux, était suspendue, comme isolée du monde. A mon sens, cet agrandissement permet cela. Si tout était donné à voir directement, on ne chercherait plus...

Et cette ambiguïté temporelle-même, cette utopie d'un temps suspendu, m'a conduite au choix du polaroid comme médium. Le polaroid contient, je pense, en lui-même ces questions fondamentales du temps, de l'ambiguïté temporelle, de la mélancolie...

A propos de ce parti pris d'agrandissement, il y a peut-être une autre raison, peut-être plus secondaire ?... Je peignais avant, et avec le polaroid on retrouve cette « matière », cette douceur des teintes etc... et lorsque l'on agrandit, l'on peut parfois apercevoir la chimie du pola craquelé. A chaque fois, cela me fait penser à une peinture lorsqu'on la regarde de près. Ce côté « fragile » m'intéresse beaucoup.

YV : j'aime beaucoup cette notion de « fragilité », qui va selon moi de pair avec la douceur des flous du polaroid amateur tel que tu le pratiques... Le polaroid original est un film très contrasté, « dur », avec des noirs profonds. La conséquence de l'agrandissement est, comme tu le dis si bien, de mettre en avant les craquelures et autres accidents caractéristiques de ce support, et d'atténuer le contraste du film...

EB : Pour revenir à l'exposition avec le collectif 1Instant, en effet, il s'agit bien de polaroids originaux. Le commissaire d'exposition qui m'a invité a dû insister pour que je participe, car j'étais réticente à l'idée de laisser circuler un polaroid original. L'idée de l'exposition me plaisait et humainement, il y avait quelque chose, un vrai échange, donc j'ai accepté finalement... j'ai envoyé mon polaroid. Ensuite, ce n'est pas le polaroid qu'ils ont mis en vente mais des reproductions. Car pour l'instant, le polaroid original, je le vois toujours comme un négatif, sur lequel on revient pour retravailler son tirage. Cela vient aussi du fait que je travaille par série, j'ai une démarche personnelle qui s'étend sur quelques années et sur une même thématique, et je ne l'ai pas clôturé encore. Peut-être, est-ce que, quand je passerai à autre chose, je m'en détacherai, et verrai les choses autrement, je ne sais pas.

En tout cas, dans le cadre de cette exposition, l'idée de défendre le « polaroid » était importante, donc je me suis résolue à envoyer mon pola. Je suis tellement effrayée par l'idée que ce film disparaisse... que si je peux le défendre, je le fais.

YV : Je souhaitais aussi te parler de cette forme de narrativité particulière liée aux polyptiques, diptyques... « des images chargées d’ellipses et de silences » : j'aime cette phrase, et j'aimerais que tu en dises plus sur ces « ellipses » et ces « silences » ?...

EB : Comme nous avons l'évoquer plus tôt, ces silences permettent peut-être d’approcher de plus près cette utopie de temps suspendue…

Au départ, la base de mon objet d’étude était : « Le Corps Enigme ». Ces silences, ces ellipses, cette recherche de l'ambiguïté y sont liés... tout se disloque jusqu’à l’énigme. De la même manière, le dépouillement de l’image montre le corps en le dépouillant de ses détails, ce qui permet un épaississement de l’énigme. Ces « silences » formels en sont comme la condition.

L’importance de la perte des repères, aussi. Pour tenter une autre forme de narration, comme ces corps silencieux qui ne nous disent des choses, mais pas tout. Des « silences » obtenus par la suspension de l’action en faveur de l’expression. Et des sujets qui semblent absents à eux-mêmes. On pourrait dire : « des portraits opaques, où quelque chose de sourd résiste ». Et ouvrent ainsi une brèche dans les images, une ouverture dans laquelle l’imaginaire du spectateur peut pleinement se développer.

YV : Les titres qui accompagnent tes photos, tels qu' « Indéfini-moi », jouant souvent sur des oxymores, des paradoxes, jouent un rôle important dans ta pratique ?

EB : Oui, merci de l’avoir remarqué.

Cela me parait important, le recours à un intitulé ambigu, qui ne définit pas de manière formelle l’exactitude du discours, mais conduit d'emblée le spectateur à s’interroger.

Elise Boularan a exposé ses polaroids (série "Indéfini moi"), dans le cadre du Mois off à Paris.

Polaroid numérisé, 60 x 60 cm, tirage argentique Lambda, Contrecollé sur Alu, châssis alu rentrant. Numéroté et signé. Edition limitée à 15 exemplaires.

Tireur : Laboratoire Picto Bastille / Paris.

http://www.eliseboularan.com/

Autoportraits avec ma Bicyclette : les sténopés de inesdelaisla

2011-01-07T02:49:00.000-08:00

Photographier sur, ou à côté de sa bicyclette : quoi de plus banal ? Et pourtant... Les photographies de inesdelaisla évoquent nombres d'images heureuses de promenades bucoliques, mais aussi les photos des premiers congés payés pendant lesquels la Petite Reine fut le moyen privilégié, populaire et économique, de déplacement ; mais aussi de découverte lente du paysage... Les albums de famille en attestent, le vélo allait être souvent supplanté, dès les années 1950, par l'automobile, devant laquelle les propriétaires adoptèrent souvent, désormais, une expression plus grave. Le corps est généralement figé, au garde-à-vous fixe du sérieux qu'exige la situation – même s'il existe de beaux contrexemples – : coûteux, le véhicule n'est pas seulement un symbole de liberté, il est surtout le symbole de de l'ascension sociale de l'individu.

A l'inverse, les images de Willy Ronis partant faire du camping à bicyclette avec ses amis, mais aussi celles de tant de photographes amateurs partant pique-niquer ou en vacances, reflètent une joyeuse décontraction.

La photographe espagnole a décidé de renouer avec ce rituel classique, mais quelque peu oublié à la fois.

Elle réalise ses autoportraits avec des sténopés qu'elle a fabriqué. Ces boîtes rudimentaires, dépourvues d'optiques, simplement percées d'un trou, enregistrent le monde différemment, induisent une relation différente à ce dernier. Une construction plus subjective de Soi et de son rapport à l'espace et aux choses, beaucoup plus relâchée, dédramatisée. Un premier point commun entre la boîte photographique et la machine, qui se traduit aussi formellement par une imbrication, fusion du corps avec les structures métalliques.

Car il s'agit bien littéralement de doubles portraits, d'un duo puisque le véhicule occupe autant de place dans le cadre que la jeune femme. Dans les flous et les distorsions générées par le sténopé, les courbes si graphiques des roues se confondent harmonieusement avec les courbes humaines. Il se dégage beaucoup de sensualité et de douceur de ces moments de pause, dans tous les sens du terme (pause physique du corps, au repos après l'effort, et pause photographique). S'il n'a l'air de rien au premier abord – et c'est là le tour de force, pas d'effet spectaculaire, aucun esthétisme – , le parti pris d'Inès est en réalité des plus audacieux, il renoue avec la radicalité des audaces des avant-gardes photographiques des années 1930.

Yannick Vigouroux

NB : Un autre sténopiste, Patrick Galais (Dans une série intitulée « En longeant les choses » ), a pris lui le parti, avec cette fois un boîtier à peine amélioré, de photographier le paysage en se déplaçant sur son vélo ; il a opté pour la douceur et la lenteur mécanique de cette machine qui devient alors aussi, même titre que le train ou la voiture, mais sur mode, un rythme très différence, une machine de vision...

http://www.patrickgalais.com/

http://www.inesdelaisla-lalataquelate.blogspot.com/

« Une approche des pratiques pauvres de la photographie : de l'intime à la réalité subjective», par Antoine Lévi

2010-12-28T06:27:00.000-08:00

Photo © Yannick Vigouroux
« # 207, 2009 » (photophonie)

J'ai eu il y a deux ans le plaisir d'être le directeur de recherche extérieur d'Antoine Lévi, désormais diplômé de l'Ecole Nationale Supérieure Louis-Lumière, dont le mémoire de fin d'études portait sur Les « Pratiques pauvres de la photographie » :

http://www.ens-louis-lumiere.fr/fileadmin/pdf/memphotolevi08.pdf

FOTO POVERA, c'est reparti !

2010-11-26T03:32:00.001-08:00

Très sensible à la gentillesse et à l'enthousiasme des artistes exposés, ainsi que celle du public qui peut toujours visiter l'exposition FOTO POVERA 6 (Médiathèque Florian de Rambouillet) puisqu'elle est prolongée jusqu'au 1er décembre, j'ai décidé de reprendre les rênes du collectif FOTO POVERA , alors que je croyais celui-ci, il y a quelques mois encore, cédant au découragement, moribond.

Merci aussi aux intervenants des deux tables rondes pour la qualité et la générosité de leurs discussions, et bien sûr à la Direction et à l'équipe de la Médiathèque pour la qualité de leur accueil.

Pourquoi « tourner la page » lorsque cette sixième page est si belle et sensible ?...

http://issuu.com/remyweite/docs/catalogue_biennale_photo_2010

http://vimeo.com/16847186

« Les Temps calmes » d'Eric Bouttier, ou le cinéma fixe de la mémoire

2010-11-26T01:10:00.001-08:00

Cela évoque un format cinémascope mais celui d'un cinéma immobile (qui évoque fortement le « cinéma fixe » cher à Bernard Plossu), puisque photographique, coloré donc et légèrement tremblé, obtenu grâce à un appareil-jouet, un faux panoramique 24x36 cm. Eric Bouttier évoque avec beaucoup de douceur et de sensibilité la fin de l'enfance. Une enfance remémorée, celle d'une lente déambulation dans les lieux où li vécut en Bretagne.

« Les Temps calmes »: si sont nécessaires les images qui « dénoncent », le sont aussi, à l'inverse, celles qui « consolent » pour paraphraser Robert Admas (Cf. son Essai sur le Beau en phiotographie, éditions Fanlac, 1996), ou apaisent.

http://www.ericbouttier.com

La série « DES PAYSEMENTS » d'Eric Bouttier

2010-11-25T04:38:00.000-08:00

Les photographies de voyages intitulée « DES PAYSEMENTS » d'Eric Bouttier ont réalisée avec un appareil en plastique doté de 4 objectifs (proche de l'Action Sampler commercialisé par la lormographie). Des extraits du septième volet (un trajet de 6 mois en transports en commun entre Paris et Beyrouth réalisé cette année) ont étés montrés à Paris-Photo sur le stand de la galerie du jour / agnès b.

Il utilise, parallèlement à ce travail, un autre appareil-jouet, un faux panoramique 24x36 cm, avec lequel il a réalisé une série en couleurs sur la fin de l'enfance qui a la forme d'un diaporama sonore de 11 minutes, « Les Temps calmes », (il travaille actuellement sur sa suite, « Le Voyage incertain »).

« DES PAYSEMENTS est une exploration esthétique sur la photographie de voyage, une esquisse sensorielle sur la sensation d’être étranger au monde, sur cet état du voyageur pour qui le regard porté sur chacun de ces territoires est neuf, inédit. Cette série compte 6 volets à ce jour. Chaque territoire (La Paz, Beijing-Shanghaï, St Petersburg, la Slavonie, Mayotte, Hong-Kong) découvert - toujours pour la première fois - est appréhendé comme un chapitre à part entière: à chaque voyage, son propre mode d’être au monde. Ce sont des paysages qui sont uniquement traversés (il n’y est jamais question d’immersion): inconnus, entre aperçus, non appropriés, et déjà passés. Les photographies sont faites le plus souvent dans ce mouvement incessant, dans cette temporalité de l’immédiateté propre au voyage. De cette vision chaotique de territoires insaisissables découle une succession d’images qui sont ainsi les instantanés de cette première impression, brute et directe.

Par la déconstruction de l’image qu’il opère, l’appareil lomographique (appareil – jouet muni de quatre objectifs) s’est imposé comme le moyen photographique privilégié afin de retranscrire ces différentes sensations. Sa maniabilité, qui permet d’être toujours dans l’instant et le mouvement, induit un rapport immédiatement physique de retranscription. Il propose également une séquence fragmentée d’images qui s’intercale entre l’unicité de l’image photographique et le défilement cinématographique – ce n’est plus 24 images par seconde, mais 4 images sur 2 secondes. Le regroupement des quatre images en une seule joue sur la répétition, l’étirement spatial et temporel d’un même motif, comme une pause, ou au contraire sur la confrontation: les accidents, la déconstruction, la reconstruction. Comme en un long travelling horizontal, les séries se construisent sur le rythme accidenté d’une image chassant l’autre.

De la même façon que DES PAYSEMENTS se saisit d’une technique spécifique – quatre images en une - afin de rendre compte d’une vision chaotique, fragmentée, D’ICI (vidéo d’après film super-8, 8 mn, 2007) utilise le medium du Super-8 comme instrument de mémoire des lieux de l’enfance. Kerhouarn, Mériadec : une petite parcelle du Morbihan, en Bretagne, territoire d’origine, dépositaire d’un passé familial collectif. Chaque retour aux sources voit resurgir les mêmes rituels, les mêmes petites cérémonies, et réactive les mêmes images, déclenche les mêmes réminiscences. A la lisière du passé et du présent, "D’ici" entend cartographier les traces actuelles du souvenir dans ce territoire qui demeure étrangement inchangé, comme si le temps y glissait sans le transformer.

Travail sur le temps, sur les ruptures entre épilepsie et contemplation, saccades et ponctuations, le défilement des images, rapide, saccadé et répétitif, évoque les pages d’un album de famille que l’on tournerait trop rapidement. Entre essai documentaire et film expérimental, un labyrinthe d’images arrachées au flux de la mémoire se dresse alors, prenant comme fil conducteur la figure tutélaire de ma grand-mère, et mène le spectateur vers des paysages à la fois rêvés et remémorés.

Utilisation d’un appareil jouet (DES PAYSEMENTS), films Super-8 (D’ici): ces techniques low-tech sont choisies tant pour leur relative simplicité et maniabilité, qui permet d’être dans une plus grande spontanéité, que pour leur aspect amateur et les pratiques collectives et populaires qui y sont liées. Il s’agit toujours de chercher à capter l’instant dans son émotion la plus intense; pour reprendre le titre d’un film du cinéaste expérimental Jonas Mekas: ˜ As I Was Moving Ahead Occasionally I Saw Brief Glimpses of Beauty ˜.

Ces travaux correspondent également à une certaine forme d’intimité : ˜D’ici ˜, le travail le plus ancien, le plus directement intime, est une archéologie de l’enfance répondant à la question fondamentale du territoire d’origine. A la répétition rassurante et obsessionnelle d’un même motif (le territoire d’origine, l’enracinement du quotidien) répond la fragmentation spatiale des mondes inconnus, des territoires voyagés. A l’évidence tellurique de la terre bretonne répondent les errements, les pertes et les déroutes fragmentaires à l’œuvre dans DES PAYSEMENTS. »

(Eric Bouttier)

http://www.ericbouttier.com

« POLA-LAND » exposition de mes Polaroids à la galerie Satellite, Paris 10e, 9 novembre - 4 décembre 2010 (la suite)

2010-11-17T05:37:00.000-08:00

Exposition des Polaroids de Yannick Vigouroux

à la galerie Satellite, Paris, jusqu'au 4 décembre 2010

« Pola-Land » : j'ai eu l'idée de ce titre de série en songeant à celui de mon ami Christophe Mauberret, « Voigtland », au sujet de laquelle il a déclaré : " [...] disons que le résultat se juge à l'aune du spatio-temporel. Le grand bénéfice pour moi est de créer un apparentement des images qui désormais font famille. »"

« Pola-Land », parce que l'inventeur du film instantané Polaroid (http://www.ledevoir.com/culture/182008/la-fin-du-polaroid), fut, en 1948, Edwin H. Land. Et que belle coïncidence (ou prédestination), « Land » signifie en anglais « terre », « pays », « territoire »...

« Pola-Land » donc : un pays, territoire photographique du procédé Polaroid qui unifierait la vision. J'aime les utopies, le pari aussi de l'image qui fictionne, avant tout, quelle que soit sa qualité (ou sans qualité...). L'idée d'un monde que j' imagine fluide et délavé par des nappes de flou (depuis le début des années 1990, j'ai utilisé exclusivement des Polaroids amateurs dans ma pratique personnelle) brouillé et tramé de brumes mentales (à l'images des photos faites au Diana dans les pays de l'Europe de l'Est par Didier Cholodnicki, la série « De nulle part ») ; aux couleurs saturées aussi, au flash dématérialisant (Cf. mes « Flux de conscience »).

On aurait fait le choix de de ce monde-là, mental, de ne plus vivre et flâner que dans ce monde trouble et troublant où formes et couleurs crépitent, palpitent sourdement.

« Pola-Land », c'est aussi le titre de l'exposition à laquelle j'ai le plaisir de participer avec trois autres artistes, Ed Lisieski, Esmeralda Soares et Didier Tatard, à l'invitation de Xaxier Martel, à la galerie Satellite (Paris).

Yannick Vigouroux

http://polalandesatellite.blogspot.com/2010/10/pola-land-communique-de-presse.html

Commissaire d'exposition : Xavier Martel,
un grand merci à Xavier, ainsi qu'à la galerie Satellite

Une exposition présentée "dans le cadre du Mois de la Photo-OFF".
This show is presented in the framework of the OFF Month of Photography festival.

Douceur et sensualité du flou photographique (les images de Joseph Charroy)

2010-11-15T06:06:00.001-08:00

« Bonjour,

je viens de passer un bon moment à naviguer sur l'ancien blog de Foto Povera et j'y fais beaucoup de belles découvertes. Je ne connaissais pas non plus le travail Felten-Massinger. J'aime beaucoup votre approche de la photographie, être sensible à la fragilité des choses, dégrader le signe et atomiser les informations, c'est aussi une ligne directrice pour moi. Être dans un rapport anachronique et modeste avec le monde, c'est salvateur à notre époque.

Pour ma part j'ai commencé à travailler en noir et blanc avec un appareil Minox 35mm, en réalisant le développement et les tirages, puis je me suis procuré un peu par hasard un Lubitel et j'ai adoré travailler en moyen format... ensuite je me suis procuré un Diana, et régulièrement je récupère de vieux appareils sur les marchés aux puces. J'aime bien changer d'instrument. Dernièrement j'ai perdu mon Diana et je me suis procuré un vieux Zeiss Box-Tengor. Cet été j'ai commencé à faire de la couleurs à l'occasion d'un petit voyage et j'ai fort envie de continuer.
je vous envoie quelques images... »

(extrait de l'e-mail reçu le 24 octobre 2010)

J'ai d'emblée aimé la série de photographie qu'il avait joint à son courrier.

Une image a tout particulièrement retenu mon attention. Le visage lumineux d'une jeune femme, partiellement enveloppé par la courbe sombre d'unr capuche qui le dissimule partiellement autant qu'il le révèle, fait face à l'objectif. Un beau moment d'échange, de complicité qu'encourage si volontiers les appareils en plastique tels que les Diana ou les Holga (ils n'est pas insignifiant qu'on leur ai donnés des prénoms féminins...), si inoffensifs. Ces appareils-jouets désamorcent en effet toute tension : le regard du photographe n'a plus rien de prédateur, il n'est, au contraire, que douceur et sensualité.

« POLA-LAND » Une exposition de Polaroids à la galerie Satellite, Paris 10e, 9 novembre - 4 décembre 2010

2010-10-25T01:50:00.000-07:00

http://polalandesatellite.blogspot.com/2010/10/pola-land-communique-de-presse.html

THE END of FOTO POVERA

2010-10-10T12:04:00.000-07:00

Le collectif n'est pas mort... il doit être renommé, et continuer à exister, autrement.

Je remercie Jean-Marie Baldner qui m'a invité à être co-auteur de ce livre, sans lui je n'aurais pu le faire, on l'aura compris.

C'est grâce à son invitation que j'ai pu participer à cette expérience, et je n'aurai pu créer ce collectif informel, si souvent dénigré, mais je l'espère, parfois (comme j'ai pu le constater) apprécié : "Foto Povera", qui n'existe plus désormais :

http://www.photosapiens.com/Les-pratiques-pauvres.html

Je remercie aussi, bien sûr : Sylvain Lizon, Nathalie Giraudeau, Michel Bavrey.

Pour ceux et celles qui ont envie de poursuivre une expérience post -"Foto Povera", vous pouvez m'écrire ici, il n'y aura plus de publications directement liée au collectif, mais l'on peut me contacter ici :

http://fotopovera6.blogspot.com/
yannickvigouroux@gmail.com

« Comme un rêve d'écriture... » (les dernières photographies d'Arnaud Zajac)

2010-09-13T06:19:00.000-07:00

Bandol - Festival, « HORIZON VERTICAL », 18 septembre-14 novembre 2010

2010-09-09T02:56:00.000-07:00

Conception graphique : Caroline T. Bender
http://www.carolinebender.com/

Dans le cadre de festival, j'exposerai mes « Littoralités », photos de bords de mer et de de zones portuaires réalisées depuis 1996 avec une box 6x9.

« Ceci n'est pas une lumière » (Bruxelles, Noël 2001)

2010-07-10T08:41:00.000-07:00

Photo Yannick Vigouroux,

« Bruxelles, décembre 2001 » (Lomo LC-A)

Et si l'un des ciments de la Nation Belge était l'Humour ?...

C'est ce que je me dis en revoyant cette photo prise il y a presque dix ans dans le métro de Bruxelles, pendant les fêtes de Noël. L'affiche publicitaire qui a disparu m'intrigue, il ne subsiste que le néon mis à nu. J'appuie sur le déclencheur de mon Lomo LC-A pour enregistrer cet éclairage inutile, un homme surgit au même moment (« cela tombe bien me dis-je ! »). Une ou deux secondes plus tard, il se tounera vers moi, souriant et sachant que lui aussi je l'ai photographié : « C'est surréaliste. Ceci n'est pas une lumière... »

Cette photo mentale et sonore de l' après-photo, qui n'existe pas sur la pellicule, est la plus précise et précieuse pour moi, la plus réussie.

En blanc ou en noir, la mariée était nette (des avantages et des inconvénients des appareils jetables...)

2010-07-09T05:52:00.000-07:00

Photo Yannick Vigouroux,

« Sicile, juin 2010 » (Agfa Clack, box 6x9)

On ignore si la « mariée était en noir » (cf. le film quasi éponyme de François Truffaut ), ou en blanc !

En tout cas, comme me l'écrit aujourd'hui Bernard Plossu (fan on le sait, justement, de la Nouvelle Vague) elle était curieusement « nette » :

« Salut amigo,

hier suis enfin allé me baigner !

Je m'allonge sur la plage pour me sécher, et là, j'entends mes deux voisines, sans les écouter vraiment, qui disent :

̏ Avec un appareil jetable... les photos sont floues... la mariée est nette ˝... »

Ma première photographie à l'I-Phone sur mode « Polaroid », 26 juin 2010

2010-06-29T00:40:00.000-07:00

Photo Yannick Vigouroux, « Pour Rémy Weité, Paris, 26 juin 2010 » (I-Phone, mode Polaroid)

Certaines fonctionnalités « fotopoveresques » très « gadgets » des appareils numériques actuels me laissent sceptiques. Cela relève avant tout, selon moi, du « gimick », comme disent les Américains, et je me méfie de cela. Pourtant, je ne peux résister à la tentation d'emprunter ces appareils à mes amis. Le plaisir d'expérimenter, la tentation de m'amuser malgré mes réserves premières, prennent presque toujours le dessus !... Lors de la manifestation « Révélations » (http://revelation-photo.fr/site/wp-content/uploads/2010/05/R4-dossierdepresse.pdf ) qui se tenait à Paris, le week-end dernier, mon ami Rémy Weité exposait ses photos numériques pour la première fois : belle homogénéité, accrochage réussi. Enthousiaste, je découvre une magnifique lumière qui tombe sur une chaise, à côté de son stand et je demande à Rémy si je peux emprunter son I-Phone, tout comme j'avais emprunté le Panasonic de Brigitte pour tester le mode « Sténopé », il y a quelques mois. En résulte ce petit hommage...

La FOTO POVERA à l'école des Beaux-Arts de Besançon, mars 2010

2010-06-28T07:23:00.000-07:00

Un projet auquel le collectif Foto Povera n'a pas été associé, mais qui propose une réflexion intéressante sur les pratiques « pauvres » ou « archaïsantes » dans la création contemporaine :

http://www.erba-actu.com/expositions/foto-povera/

« POLA-LAND » : une exposition de mes Polaroids, ceux d’Esmeralda Soares, Didier Tatard..., galerie Satellite, Paris, novembre 2010

2010-05-25T02:47:00.000-07:00

« Venise, 1999 », de la série « Polaland »
(Polaroid Image)

Je viens de créer avec mon ami Xavier Martel un blog dédié à l’ exposition « POLA-LAND », dont il est le curateur. La galerie Sattelite (Paris) présentera en novembre 2010 mes Polaroids, ceux de Esmeralda Soares, et de Didier Tatard :

http://polalandesatellite.blogspot.com/

Le site de la galerie Satelitte :

http://www.galeriesatellite.com/index.html

Exposition « Marc Trivier – Daniel Price – Michael Scheffer » au collège Lavoisier, Saint-Saulve (59)

2010-04-29T13:26:00.000-07:00

Arnaud Zajac (http://arnaudzajac.blogspot.com/) vient d'organiser dans le Nord de la France une belle exposition, où figure l'une des mes principales sources d'inspiration : le photographe et écrivain belge Marc Trivier. Ses photos prises avec une box, qui m'ont beaucoup influencé. Tout comme Daniel Price, qui fut aux Etats-Unis un formidable acteur et défenseur, avec son journal Shots, (revue imprimée sur papier recyclé), dans les années 1980-1990, d'une photographie faite avec des « toy-cameras » (appareils-jouets). C'est aussi un très bon dessinateur.

Quant au troisième auteur, Michael Scheffer, artiste allemand, je connais moins bien ses photos, je l'avoue, mais ce que j'ai vu me plait. Des images floues, dont certaines m'évoquent parfois des photos ou dessins de David Lynch...

Trois artistes à découvrir, ou redécouvrir, dont les images dialoguent ensemble.

Le voyage américain de Bruno Debon (cameraphonie, été 2009)

2010-04-29T10:17:00.000-07:00

« USA, été 2009 »

(cameraphone)

Je reviens sur des images découvertes il y a déjà plusieurs semaines, en « vacance » (terme que je préfère à « vacances ») dans le Var.

Les notes qui leurs étaient consacrées étaient restées en berne. Je les ai relues cette semaine.

Je recommence à écrire. Le printemps et la lumière qui sont de retour enfin, m'encouragent à « reprendre » mes textes.

Dans ces photos de Bruno prises aux Etats-Unis durant l'été 2009, avec un téléphone mobile, le contraste est pratiquement inexistant... Une série dans laquelle l'empreinte lumineuse aurait hésité à se fixer, s'imposer.

Quand j'ai passé une semaine chez lui à Châteaudouble, Bruno avait bien d'autres préoccupations que la photographie : planter des centaines de pommiers... Et je me dis, alors que j'écris ces lignes, que ces arbres fruitiers sont un peu comme les sarabandes de Giacomelli, c'est-à-dire des points d'encrage, des piliers joyeux et sombres plantés au milieu d'un champ aussi mental que terrien.

Dans les photos de Bruno, les silhouettes des individus ressemblent décidément aux pochoirs discrets d'un univers mental et sensible, à des notes qui dansent sur une partition. Contrepoints à celles des pommiers ?

L'écriture photographique « automatique » est bien là, cet art brut numérique d'aujourd'hui : flous, écarts, accidents en attestent, plus dictées par l' « inconscient » du flâneur voyageur que par une volonté conceptualisée et préméditée de faire « oeuvre »...

Citation et transgression, ou encore tranquille digression visuelle, promenade dans un espace géographique et mental, à la fois familier et étranger...

Il y a eu, comme me l'a raconté Bruno, si importante dans ce voyage effectué avec sa femme et leurs deux fils (ces garçons qui sont devenus depuis ce séjour aussi familial qu'initiatique tellement férus, non pas de photo, mais de rock et de guitare électrique !...), la rencontre avec cette ville fantôme, désertée par ses habitants... ces architectures victoriennes en bois semblent, au crépuscule, toujours hantées par Norman Bates (incarné par l'inoubliable Anthony Perkins dans Psycho - 1960 - d'Alfred Hitchcock).

En tout cas, le demain matin, les spectres ont disparu (je songe aussi au film Invasion of the Body Snatchers de Don Siegel, 1956). Mais la demeure, vidée peut-être de son inquiétant potentiel, est toujours là, squelette de bois... Que contient-elle, annonce-t-elle ? S'agit-il d'un refuge possible ou au contraire une menace ?...

Un étrange voile de lumière, comme un calque translucide, semble parfois recouvrir cet univers visuel si explicitement référencé, aussi, à la peinture d'Edward Hopper.

Que reste-t-il du « Rêve américain » ? … des mythologies multiples, imbriquées, stratifiées, semble-t-il, que Bruno revisite en Européen fasciné mais critique, avec son minuscule téléphone mobile, son cameraphone...

Günter Grass, « L'Agfa box, histoires de chambre noire», éd. Grasset, mars 2010

2010-04-25T01:23:00.000-07:00

Le dernier livre de Günther Grass vient de paraître en France. Voici le résumé de l'éditeur :

« Pour feuilleter l'album-photo de sa mémoire familiale, Grass confie, une fois encore, à l'artifice d'une fable ironique bien à lui le soin de tourner les pages. II réunit ses enfants dans sa maison d'aujourd'hui et leur fait raconter, chacun avec sa parole et ses souvenirs propres, une enfance diversement concernée par la notoriété et l'existence particulière du père. Mais au coeur de leurs souvenirs, rivalisant avec l'affection filiale, surgit sans cesse la longue silhouette amicale de la vieille Marie et de son Agfa Box magique, qui toujours transfigurait les épisodes photographiés dans le sens du désir de chacun, et pouvait aussi inscrire dans les modestes clichés quotidiens une vision de l'avenir. Les pouvoirs fantastiques du tambour d'Oskar Matzerath sont déposés dans le boîtier affectueux d'une photographe pleine de sagesse qui visite les lieux et les maisons où l'auteur a vécu depuis un demi-siècle, mais tire aussi avec soi entre les lignes la question de l'invention poétique et de l'écriture. »

J. Hodil, « Mon domicile, souvenir du front, le 17 janvier 1918 »
Tirage argentique 10,5 x 14,2 cm
(Coll. Yannick Vigouroux # 1016 et # 1017)

Inscription au verso du tirage :
« A ma marraine de guerre,
Mes meilleurs baisers pour vous trois,
et mes meilleures amitiés à Adrien.
Souvenir du front, le 17 janvier 1918
(J. Hodil) »

Ecriture littéraire et écriture photographique, boîte et chambres noires comme boîtes et lieux magiques, machines et fabriques de fiction : les pages des albums de famille – et c'est la raison pour laquelle je collectionne des photos trouvées, ne sont pas les simples dépositaires de constats photographiques, mais les pages où s'écrivent nos mythologies intimes. Des mythologies traversées par d'autres mythologies lorsque l'image devenue anonyme (ou non) est investie par la subjectivité du collectionneur...

Günter Grass, L'Agfa box, histoires de chambre noire, éd. Grasset, mars 2010
http://www.flickr.com/photos/yannickvigouroux/4438463168/in/set-72157623508167275/

Exposition « UMBRA » d'Angéline Leroux au Goût des autres, Paris, 9 avril au 3 mai 2010

2010-04-14T09:21:00.000-07:00

« Umbra : n. f. étymologie latine d'ombre.
1 - obscurité relative que cause un corps opaque en interceptant la lumière. 2 - désigne particulièrement l'apparence, les contours des corps qui projettent l'ombre.

Umbra rappelle le principe du processus argentique : la lumière, en agissant sur les sels d'argent, produit du noir. Angéline malmène les conventions, déjoue l'image parfaite et définitive en explorant les possibilités du médium lors de la prise de vue, grâce à des boîtiers rudimentaires. Plus que le résultat, c'est le geste qui importe. A travers diverses expérimentations et en travaillant avec l'aléatoire, chaque série ou diptyque invite à tous les passages entre intérieur et extérieur, dans un jeu de transparences et d'ouverture.
Et si la photographie était l'instrument du doute, et non de l'image de la réalité, dont on a longtemps cru qu'elle était censée attester ? La photographie est une image possible d'un monde, non le monde lui-même… et pour Angéline cela ne fait pas l'ombre d'un doute. »

(Angéline Leroux)

Foto Povera & Fantastique quotidien

2010-04-14T02:09:00.001-07:00

Photo Yannick Vigouroux,
« Caen, avril 2010 »
(Digital Toy-Camera Fisher-Price)

Je me suis récemment plongé dans ce recueil qui regroupe la totalité des nouvelles de Dino Buzzati, acheté au début des années 1990, pavé que je ne cesse de relire depuis, tant j’aime ce fantastique quotidien qui hante mes images depuis mes débuts de photographe : « tic-tic », une goutte d’eau remonte la rampe d’un escalier et rend fous les habitants de l’immeuble qui redoutent qu’elle n'ait de funestes desseins (« Une goutte », 1966). Un fantastique quotidien qui n’est pas forcément dramatique, et peut au contraire être synonyme de sérénité, de merveilleux intimiste et rassurant, comme c’est selon moi le cas dans cette image qui cite l’une de mes genres littéraires favoris.

Exposition « 2 » par Catherine Merdy à la bibliothèque du Xe, Paris, du 8 avril au 29 mai 2010

2010-03-26T01:52:00.000-07:00

La bibliothèque Château d'eau est heureuse de vous inviter
à l'exposition de photographies « 2 » par Catherine Merdy
qui aura lieu du 8 avril au 29 mai 2010 dans la bibliothèque.

VERNISSAGE >>>> le 8 avril 18h30-20h30

Dans ses errances à travers les villes, Catherine Merdy multiplie et collectionne les instantanés de vie. L'appareil-photo (un Lomo LC-A) fait office de journal intime où elle raconte sa propre histoire et celles de ceux qui l'entourent. Le photographe traque la vie à l'état brut, sans aucune mise en scène, sans volonté de raconter une histoire pré-établie, ni de ramener une oeuvre documentaire. Après cette prise de note régulière, l'artiste recourt presque systématiquement à la logique binaire du diptyque. Ces 2 images associées pour n'en faire plus qu'une sont autant de petites fictions intimes ou collectives, les fragments possibles de scènes cinématographiques : un regard très personnel sur notre monde contemporain....

Bibliothèque Château d'Eau- Mairie du Xe (4e étage)

72 rue du Faubourg Saint Martin
75010 Paris
M° Château d'eau
Renseignements : 01 53 72 11 75

http://www.catherinemerdy.com

« Archibalnéaire, l’horizon vertical », à la médiathèque de Fontenay-sous-bois, du 13 avril au 14 mars 2010

2010-03-12T02:56:00.001-08:00

Sicile-Palestine (discussion avec Patrick Galais, février 2010)

2010-02-07T05:05:00.000-08:00

Ingrid Bergman dans Stromboli (1950), film de Roberto Rossellini

Quelques courriels échangés avec Patrick Galais. L'un de ces dialogues que j'aime, comme lui et d’autres amis, développer avant ou après un voyage :

« Patrick,

on m'a parfois reproché avec Foto Povera de me limiter à une typologie d'appareils self-made ou cheap... Non, il ne s'agit pas de cela [même si je sais que cela relève d'une inquiétude légitime], ... mais parfois, le boîtier est très important c'est vrai pour les auteurs... aussi cheap soit-il ; difficile à expliquer, moi c'est plutôt les box que je préfère ; j'essaie d'en trouver une qui marche avant de partir dans quelques mois en Sicile... »

« C'est vrai que les boîtiers sont des associés, des outils de transmission, de rayonnement, avec un rayon d'action bien défini, entre le photographe, le sujet, et le lecteur futur des images produites.

Pour la série "Construire" en Palestine, j'avais commencé à travailler au Rolleiflex. Mais cette machine à capter, cette douce vision en "L" me coupait trop du sujet.

J'avais besoin d'une posture physique plus frontale, plus "tendue", plus "la tête en avant", plus parallèle au sol.

D'où l'achat d'occase d'un vieux 6x7 Pentax avec viseur horizontal et d'un 75 mm. Un boîtier rassurant aussi par sa robustesse, précis, avec son miroir bruyant et vibrant.

Un objet assez violent, avec sa crosse en bois, qui a parfois répondu aux violences de l'occupation, celles-là même infligées aux palestiniens. Mais ce ne furent pas les meilleures images, loin de là, c'était juste une réponse d'autodéfense. Le simple fait qu'il soit là, inerte dans mon sac, me protégeait aussi, et me rappelait "ce que j'avais à faire" ici.

La jouissance perçue parfois aussi, et qui nous traverse des pieds à la tête lors du déclenchement, est toujours trompeuse, elle n'annonce jamais une bonne image.

Cette jouissance vient simplement de notre passé de photographe, elle nous rassure par rapport aux images que nous avons faites, et par rapport à celles que nous savons faire... Cette jouissance est donc un leurre, une bête autosatisfaction, voire d'auto-fascination, sans aucun rapport avec les images que "nous avons à faire". Et les images que "nous avons à faire", nous n'en savons rien à l'avance... C'est ça qui est bien non?

Bonne journée Yannick. »

« Outre la box dont j'ai parlé, mon Holga, j'ai moi aussi envie d'utiliser à nouveau un boîtier moyen format en mai prochain en Sicile, pour des raisons qui me semblent en partie proches des tiennes... mais en ce qui me concerne la « violence » renvoie plutôt la rudesse de la terre, la présence menaçante des volcans qui m'impressionne (J'ai en tête d'inoubliables images du film
Stromboli de Rossellini, qui date de 1950, revu plusieurs fois ces derniers mois). Oui, "ces images que nous avons à faire, nous n'en savons rien à l'avance..." Pour ma part je n'ai que des envies de voyage, de destinations, l'envie d'utiliser certains boîtiers, juste des intuitions et des attirances aussi fortes que vagues, rien de prédéfini vraiment...

Bonne journée,

Yannick »

« Hello Yannick,

Oui nous n'en savons rien de ces images à faire... Mais comme Catherine Merdy, j'ai envie de revenir au portrait, au corps, à la peau, à l'autre, mais de manière plus proche que par le bâtiment, ou en tout cas, moins détournée. C'est fondamental le portrait je crois...

A bientôt.

Patrick »

Art Brut & Foto Povera

2010-02-02T10:31:00.000-08:00

« Paris, 31 janvier 2010 » (Cameraphone)

Après l'averse, face à ces mouvements accidentels qui animaient si naturellement le bitume, j'ai vraiment eu l'impression de me pencher sur des réminiscences (voire, pour l'une des images, une résurgence) d'Art Brut.

J'avais froid. Et puis cette sensation désagréable de sentir le chien mouillé... Mais j'avais aussi le sentiment que cette odeur, pour une fois ou une fois de plus (avais-je oublié cette expérience ?), acquérait, grâce aux images, ou plus exactement la parfaite correspondance de cette odeur avec elles, une certaine « qualité ».

« En longeant les choses » de Patrick Galais

2010-02-01T02:50:00.000-08:00

Un autre voyage photographique, non pas en train, mais cette fois à bicyclette, auquel j'avais consacré un texte en 2004. Avec celui de Patrick, en voici un extrait ...

« en longeant les choses -Aout 2004.

Cette route à prendre est bordée d'espaces humains, parfois mutilés, qui nous concernent et nous regardent. Je sais que ce ne sera pas une "enquête" sur le paysage ou les espaces péri-urbains en mutation, et que ces espaces parfois vides, ou à l'abandon temporaire ne sont pas déshumanisés pour autant. Après le reportage et l'ailleurs, l'architecture, le rapport à l'autre dans le portrait, à la présence humaine dans les longs temps de pose du sténopé, je cherche encore, peut-être prétentieusement, mon humanité photographique dans cette humanité là. Les 2400 km accumulés seul à vélo, la tête reliée au pédalier vont faire office de machine à visionner, à laver des images et des pensées nombreuses, joyeuses ou douloureuses. Les images réalisées pendant ces trois semaines m'ont par la suite laissé perplexe quelques temps, sans yeux pour les voir ni voix pour les dire. Je ne les reconnais pas. L'errance a bien fait son effet... Il me faudra comprendre ces images, cette errance. Au delà de cette quête, cet état des choses et des lieux parle d'un monde qui perd parfois de sa compréhension, de sa poésie visible. Un monde qui ne sera plus pareil. Le temps de l'engagement-photographie m'apparait de nouveau... Le paysage était jusqu'alors pour moi l'innocence du regard retrouvée. J'aimerais bien y croire encore, sans m'y attarder.

Patrick Galais, 2004. »

« en longeant les choses

En longeant les choses, un road-movie photographique à la française, accompli avec cette mythique et sympathique bicyclette, à laquelle nous nous identifions tant dans ce pays : du facteur de Jaques Tati au Tour de France, ce moyen de locomotion évoque aussi dans notre mémoire des images lumineuses d'après-midi d'été, la transparence de fragments d'enfance où le paysage défile lentement. Ce voyage en images fixes est par ailleurs référencé à des signes vernaculaires hérités de la photographie et du cinéma américain qui font désormais partie du lexique visuel classique de tout photographe. [...] Faisant semblant de seulement longer les choses et de ne pas entrer dans le vif du sujet, Galais aborde en réalité frontalement, l'air de rien, les questions fondamentales de l'enregistrement du temps et de l'espace en photographie. Avec la sereine désinvolture du flâneur, là ou d'autres consacrent des essais parfois abscons à cette problématique, il préfère se promener à bicyclette dans un temps ralenti et dans l'espace photographique étiré.

Yannick Vigouroux, mars 2005. »

http://www.patrickgalais.com/

Les trains de lumière

2010-01-10T06:55:00.000-08:00

« Windows, train Paris-Caen, déc. 2009 »

(Canon PowerShot SX110 IS)

Après avoir multiplié pendant deux ans les prises de vue à l'aide de téléphones mobiles et de sténopés numériques, j'ai récemment ressenti le besoin, tout en en poursuivant ces expérimentations, de renouer avec une photographie plus « sérieuse ».

Afin de faire de la photo argentique piquée et nette, j'envisage de faire réparer un boîtier moyen format délaissé depuis des années, et j'ai fait l'acquisition d'un boîter semi-amateur (ou semi-pro ?) : un Canon PowerShot SX110 IS. Je tiens à ce genre de précision (même si c'est sur un mode un peu ironique). Comment faire totalement le deuil de plus de 150 ans d'utopie techniciste ? Feuilleter, comme je l'ai fait récemment, un catalogue décrivant les caractéristiques techniques des derniers appareils numériques, toujours plus performants, je trouve cela aussi aussi fastidieux que de me plonger dans une revue consacrée aux automobiles, ou à l'informatique. Dimensions, ergonomie, vitesses etc., autant de termes communs aux différents catalogues et revues... Pourtant, et comme mon père m'avait demandé de le conseiller pour l'acquisition de deux appareils compacts destiné à mon frère et à ma soeur, je me suis plié à l'exercice... Moi qui aime tant malmener les conventions, voir arracher l'optique d'un appareil pour en faire un sténopé, j'ai décidé de redevenir quelque temps un praticien conventionnel voire délibérément ennuyeux. Un « bon élève ».

Mais rien n'y fait : à l'occasion d'un voyage en train entre paris et Caen à Noël, les images du magnifique Train de lumière de Bernard Plossu (éditions Yellow Now, 2001), j'ai multiplié, alors que nous traversions la campagne normande enneigée, les vues floues, fasciné par les métamorphoses que j'obtenais en jouant avec les reflets dans les fenêtres et la fluide déstructuration du paysage...

Le bleu du ciel dans le carré du Holga, les photos de Pamela Messi

2009-12-30T04:37:00.000-08:00

« Web-Holga 1 » (Holga)

Une jeune femme photographiée de dos se promène sur une plage au Japon... En découvrant il y a quelques mois cette image de Pamela Messi m'est venu à l’esprit le titre français de l’un des roman de Murakami Ryu, Bleu presque transparent (1976), et le titre de ce magnifique recueil de » poésie de Michel Maulpoix, Une histoire de bleu (1993), présenté en ces termes sur le site de l'écrivain : « Souvent les hommes restent debout près de la mer : ils regardent le bleu. Ils n'espèrent rien du large, et pourtant demeurent immobiles à le fouiller des yeux, ne sachant guère ce qui les retient là. Peut-être considèrent-ils à ce moment l'énigme de leur propre vie. »

Face à la photo de Pamela, je reste aujourd'hui fasciné par cette sensuelle transparence du ciel qui pourrait presque, de manière réversible, devenir une opacité bleue et froide, si tranchante et douloureuse... En même temps, et dans le même espace, pas de « pesanteur » du bleu qui doit rester aérien ou liquide, présent mais inaccessible. Et cette silhouette féminine si fragile qui se déplace avec grâce et lenteur sur la grève a quelque chose de rassurant. C'est comme un point de ponctuation fluide tracé avec maîtrise et assurance, un doux point d'équilibre et d'encrage, épicentre de mes sensations.

C’est le « presque » du titre du roman de Murakami Ryu qui, bien sûr, m'interroge encore. Comme le conditionnel que j'emploie si souvent (trop ?). L'expérience d'un entre-deux, d'un début et d'une fin. D'un désir de plénitude confronté au constat de l'inaboutissement. Mais dans l'espace intermédiaire des bords de mer, lieu privilégié d'ailleurs de mes propres « Littoralités » réalisées avec une box 6x9, tout reste ou devient, enfin, possible...

Ce n'est pas, je l'ai compris après, ce « Murakami » là qui intéresse et inspire Pamela. En fait, comme elle l’annonce dans son blog « Librepensine », son travail photo actuel, et pas seulement au Holga, mais vraisemblablement réalisé aussi avec un appareil numérique, fait écho aux romans d'un écrivain quasi homonyme : Haruki Murakami, dont je sais, je l'avoue, peu de choses. Mais je sais que j'en apprendrai plus (avec bien sûr la lecture de ce romancier) en revoyant les photos de Pamela, et en découvrant ses nouvelles images, et que je projettrai à nouveau ma subjectivité. Construirai ma fiction personnelle sur ses images, processus que favorisent selon moi le flou, le bleu et le vignettage de l'image...

http://www.flickr.com/photos/24544585@N06/sets/72157619934528737/
http://pamelamessiblogspot.com
http://librepensine.blogspot.com

Parution de la revue « L'HELIOTROPE » # 03 : « En famille »

2009-12-07T07:00:00.000-08:00

Anonyme, c. 1950. Tirage argentique 6,3 x 9,1 cm
(Coll. Yannick Vigouroux # 678)

Cette photographie, une surimpression accidentelle, que j'aime légender « L'homme qui tombe », issue de ma collection de « photos trouvées », vient d'être publiée dans le numéro 3 de la revue « « L'HELIOTROPE » :

http://www.heliotrope-online.com/index.php?revue-lheliotrope-03-en-famille

La série « Non facturé » de Jean-Marc Biry

2009-11-04T01:30:00.000-08:00

Jean-Marc Biry a gardé tous les tirages « non facturés » développés par les laboratoires de la FNAC de sa production photographique courante et familiale et décidé de les reproduire afin de les agrandir au format 50 x 60 cm, en conservant le rectangle "censeur". Si le rectangle agrandi, en apparence anodin, des images non facturées, évoque, dans notre inconscient collectif, le rectangle de la censure recouvrant par exemple les sexes dans les images jugées pornographiques, ou encore celui recouvrant le regard d'une personne lorsque la justice ou la presse a décidé ou est obligée de préserver son anonymat, la proposition est ici inversée par le photographe : l'étiquette plus ou moins honteuse devient en quelque sorte label de qualité.

http://www.chambreapart.org/BIRY/index.php?page=serie1

Les sténopés spectraux de Stefanno Parinni

2009-10-03T06:30:00.000-07:00

Le sténopé de Stefanno Parinni

Stefanno Parinni, photographe « amateur » (c'est ainsi qu'il se désigne), a réalisé lui-même son sténopé. Ses images de format panoramiques sont généralement prises dans la mer ou au bord de la mer.

Sombres coulures d'espace et de temps, figures et objets tremblés comme s'ils étient à l'agonie ou en proix à une étrange métamorphose, on est parfois à la limite du cinéma d'horreur, en particulier avec ce nageur dont le visage méconnaissable semble carbonisé, se putréfier ou encore se liquéfier sous nos yeux. Un univers onirique très persdonnel, inquiétant et fascinant.

« # 380, 2009 » de la série « Atomized Fragments »

(Photophonie)

En réalité, ce n'est le sujet qui est malmené : comme dans ma série numérique et photophonique en cours « Atomized Fragments » ce sont une fois de plus les codes académiques de représentation qui sont mis à mal, bousculés...

La Nostalgie lisboète du Présent, selon Farhana (Pinholes & Polaroids)...

2009-09-26T07:42:00.000-07:00

« Pinhole shot from a street near by my first photography course. Exposure time was probably 5 seconds... Cant remember [...] The pinhole included.. and i love that pinhole. Funny because yestarday night i passed throuhg that exact same street and remembered my pinhole. »

Farhana réalise à Lisbonne des Polaroïds et des sténopés qui s'apparentent à de la nostlagie pure. Et en fait même à cette « nostalgie du présent » que revendique mon amie grecque Io Paschou. Tous les lieux, les personnes photopgraphiés semblent porteurs de cela, ou encore habités par cela... C'est beau et troublant !

Photos numériques réalisées avec un appareil classique, Polaroids ou sténopés plus « alternatifs », il en résulte en tout cas de minimalistes et merveilleux éclats de lumière, et aussi ces brûlures parfois aux marges de l'image, qui sont, parfois, le seul sujet de la photo ?...

La photographe écrit à propos des prises de vue numériques :

« I have a theory: digital shots are so much more pleasing to the eye here in flickr.. I have nothing against them, but its much more heart felt to grab the photo paper against you, squize it, through it away...
Its just like Van Gogh: nothing special seen in book schools but, once you've seen it live... it stays with your forever. »

http://www.flickr.com/photos/desertmelodie/

D'autres « Littoralités » : les photos de Bruno Haumont-Asensio

2009-08-31T02:14:00.000-07:00

Photo © Bruno Haumont-Asensio,
« Diaro 2009 » ( Great Wall)

Je lis ce dimanche 30 août un commentaire sur Flickr, accompagnant une photo de Bruno Haumont-Asensio : « Tu es prêt pour la Foto Povera. » Non seulement le photographe est prêt, mais selon moi, qui regarde depuis plusieurs mois avec beaucoup d'intérêt son travail, il fait selon pleinement partie de ce courant.

Les dernières images téléchargées, qui font partie de la série « Diaro 2009 », me font beaucoup penser à certaines vues de bord de mer d'Oscar Molina (http://www.oscarmolina.com/), hélas mal connu en France – même si Oscar pratique plutôt le noir et blanc comme Bernard Plossu dont il est d'ailleurs l'ami dans la vie, et artistiquement l'alter ego espagnol. Le photographe confie aimer aussi beaucoup les images de Vari Caramès (http://www.varicarames.com/)

« [les] photos ont été prises avec un Great Wall, un vieil appareil chinois que j'affectionne tout particulièrement ; je ne pourrais te dire pourquoi, peut-être à cause du flou qu'il produit, de son look (il ne ressemble à aucun autre).

Les falaises photographiées s'effacent doucement, dans un fondu atmosphérique bleu vert qui se confondent avec celui de l'horizon liquide, paisible et immobile. Certaines images aident à vivre, procurent une présence apaisante. C'est ce que je recherche souvent dans mes « Littoralités », et c'est ce que ressens face aux images de Bruno réalisées avec des appareils-jouets.

http://www.flickr.com/photos/brunogoiamendi/

« L'enfant au ballon » de Elodi Laurent

2009-08-26T08:34:00.000-07:00

Photo © Elodi Laurent

Le thème de l'enfance est, je l'ai souvent écrit, recurrent dans les pratiques fotopoveresques. Les travaux de Nancy Rexroth, Daniel Challe ou encore Valérie Sarrouy, en sont de bons exemples... L'enfance occupe évidemment un rôle central dans les pratiques des amateurs d'hier et aujourd'hui , avec lesquelles les pratiques alternatives du collectif Foto Povera entretiennent de fortes affinités.

Elodi Laurent constate très justement :

« Il est redondant et banal de dire que le numérique a changé la pratique photographique, celle-ci est plus centrée sur l'intime, l'exhibitionisme et sur l'enfant. La photo a de moins en moins de rôles sociaux (voir les photos de Malick Sidibé, époque yéyé). Le développement des outils (webcam, téléphone portable..) a aussi entraîné un changement quantitatif, ce qui rend la question du choix et de la sélection primordiales. »

Vidéogramme extrait de The Shining (1980)
de Stanley Kubrick

La photo de l'enfant au ballon est issue d'une séance totalement improvisée pendant une réunion de famille. Le cadrage radical, le léger flou, comme un temblement rétinien, la pénombre ont quelque chose de mystérieux ; cette photo me fait beaucoup penser aux fantômes des fillettes jumelles, apparitions frontales récurentes dans le film The Shining (1980) de Stanley Kubrick, ou encore aux jumelles photographiées par Diane Arbus en 1967 (célèbre portrait qui a peut-être inspiré le réalisateur?...).

Le ballon joue un rôle important : il focalise fortement notre regard et pourrait bien être aussi une boule de cristal, ou encore une bulle dans laquelle l'insconscient serait enkysté, et qui menacerait de crever à tout moment....

« Le Boudoir de grand-mère » est le nom du blog passionnant que vient de créer Elodie Laurent :

http://leboudoirdegrandmere.over-blog.com/article-35249569.html

Les « télé-visions » de Pierryl Peytavi (et d'autres artistes)

2009-08-24T05:55:00.000-07:00

Photo Yannick Vigouroux,

« Blue still-movie, octobre 2008 »

(Sony Cybershot)

Photographie et cinéma : deux moyens d'expression proches et pourtant si différents (Philippe Dubois, dans L'Acte photographique distingue par exemple le « hors-cadre » du « hors-champs »... ) qui entretiennent depuis toujours des relations naturelles, chaque language ne cessant de citer l'autre, de le mettre en abyme...

Dans les années 1960, nombre de photographes ont ainsi commencé à réaliser (au 60e de s.) des captures d'écrans TV, fasciné par la trame obtenue, la dégradation étrange du signal ; plus tard, des artistes tels que Bruno Debon ont, pour les mêmes raisons utilisé le Polaroïd SX-70 et moi-même depuis un an, j'ai développé une recherche similaire, en numérique cette fois, avec mon Sony Cybershot...

Photo Pierryl Peytavi, de la série « télé-visions, 2009 »

Pierryl Peytavi évoque en ces termes sa nouvelle série « télé-visions » (titre provisoire) :

« C'est encore à l'état d'ébauche, mais ça commence à prendre forme. Ces trois séries peuvent dans mon esprit être montrées séparément ou en même temps (mais là, il faudrait un grand lieu pour les exposer). Pour l'instant je n'ai tiré que la série « sous-titres » (voir la présentation faite à montpellier cette année), mais le reste va venir bientôt j'espère.

Ces séries poursuivent mes recherches sur la vision et sur la mise à distance du réel... c'est aussi un détournement, une dislocation des images, de la narration, du temps...

J'aimerais aussi jouer sur la démultiplication des ces photos en écho au bombardage quotidien d'images publicitaires et télévisuelles que l'on subit. »

Une tendresse inquiète...

2009-08-07T01:58:00.000-07:00

Photo Yannick Vigouroux,
« Atomized Fragment # 93, 2009 »
(Photophonie)

La tendresse inquiète que j'éprouve souvent pour les objets les plus ordinaires, « sans qualité », et les visages anonymes que je croise dans la rue, dans le métro ou le train de banlieue, ressemble beaucoup à celle qu'éprouvait Gérald Neveu pour les mots :

« Ces mots caresse-les
Ces mots sont un duvet fragile
le duvet d'une bête obscure
douloureuse »

(extrait de « Comme par enchantement », Fournaise obscure, 1959)

La Jeune Fille à la perle (Photophonie, juillet 2009)

2009-07-26T07:21:00.000-07:00

Photo Yannick Vigouroux, « La Jeune Fille à la perle, juillet 2009 »
(Photophonie)

La jeune fille à la perle du Shopi porte un turban mais pas de perle et, à la place, de nombreux mais discrets perciengs au nez et aux oreilles (la pression de la Direction : avoir une tenue « correcte », conforme aux conventions bourgeoises auxquelles doit se plier le prolétariat ou post-prolétariat...). Elle esquisse un léger sourire en me rendant la monnaie. Son regard bleu délavé m'effleure, je remarque son cou gracile ; son visage qui s'empourpre légèrement. Toute en elle est beauté discrète, cette douce retenue des timides pas du tout ou peu conscient de leur beauté et se réfugiant vite dans cet capacité naturelle au retrait, à l'effacement, qui inspire d'emblée la sympathie chez certains, ou au contraire, attise chez d'autres, trop nombreux, les plus abjects reflexes de méchanceté gratuite ; car ces « prédateurs » détectent instinctivement toute forme de faiblesse...

La perle, « galet translucide » selon Malraux n'est pas portée à l'oreille, c'est l'oeil lui-même qui absorbe le tableau, le condense, dans cette scène banale, photographique.

Pas de pigments broyés pour recouvrir la toile... comme le fit Vermeer de Delft en 1665, mais mon prosaïque téléphone / appareil-photo, qui me semble être, comme les perciengs de la jeune femme, l'adaptation contemporaine de cela...

« L'homme du commun », comme le nommait George Dubuffet, a sans aucun doute « quelque chose d'extraordinaire », et la caissière du supermarché a, elle aussi, quelque chose d'extraordinaire.

« Archi-Balnéaire, l'horizon vertical » à la Médiathèque Noailles, Cannes, 10 juillet-14 sept. 2009 »

2009-07-24T02:31:00.000-07:00

Photo exposée :
Yannick Vigouroux, « Lisbonne, 1998 »,
de la série « Littoralités » (Box 6x9)

http://archibalneaire.over-blog.com/article-23454493.html

Ma nouvelle série photophonique « # »

2009-07-23T02:27:00.000-07:00

Photo Yannick Vigouroux,

« # 6 1 # 7, 2009 »
(photophonie)

J'ai toujours été fasciné par le visage de l'Autre. Pourtant, depuis quelques mois, j'ai de moins en moins envie de le photographier. D'où la naissance de cette série « # » : des images dépouillées, « sans qualité », sans« identité », que l'humain aurait déserté. Des lieux qui seraient strictement photographiques.

« Crache la Mort (sténotoportrait), 16 janv. 2080 »

2009-07-20T05:21:00.000-07:00

Photo Yannick Vigouroux,
« Crache la Mort (sténotoportrait), 16 janv. 2080 »
(Sténopé numérique / Digital Pinhole)

« Il y a quelques années, j'ai essayé de faire une photo, une seule photo, quelque chose comme un portrait, un autoportrait peut-être, mais sans moi et sans personne, seulement une présence, entière et nue, douloureuse et simple, sans arrière-plan et presque sans lumière. »
(Jean-Philippe Toussaint, L'appareil-photo, 1988)

Lorsque je me photographie avec mon sténopé, j'aime l'estompe due l'absence d'optique : mon visage mis à distance, de plus en plus flou, semble libéré du poids de l'existence... Un visage qui disparaît doucement lorsqu'il s'observe. Une manière d'anti-autoportrait ?...

Projection - info n° 2 - des « Littoralités » aux Rencontres Internationales de la Photographie d'Arles (2009)

2009-07-09T10:09:00.000-07:00

Une exposition de Polaroïds : POL / A, label hypothèse, galerie Nivet-Carzon, Paris, du 25 juin au 1er août 2009

2009-07-06T08:48:00.000-07:00

Photos Alesandro Liuzzi et John Cornu

Inventé comme ses versions profesionnelle par Edwin H. Land (le premier appreil, le Polaroïd Land, apparaît en 1947), le Polaroïd amateur (le Procédé SX-70, et plus tard le Polaroïd 600) connaît un formidable essor dans les années 1970, chez les « amateurs ». Il apparaît aussi dans la production de fin de vie d'artistes d'André Kertész et de Walker Evans (lui qui jugeait pourtant, trente ans, plus tôt, la « couleur vulgaire » !). Durant cette décennie, des photographes américains, ne pratiquant pas forcément le Pola, mais en tout cas la couleur, tels que William Eggleston ou Stephen Shore aux Etats-Unis, Daniel Boudinet en France (l'un de ses Polaroïds - des rideaux verts laissant filtrer une lumière doucement diffuse, est d'ailleurs reproduit au début de La Chambre claire de Roland Barthes, 1980), revendiquent celle-ci comme un moyen d'expression artistique à part entière...

Ce sont aussi les interventionnistes, land-artistes et autres body-artistes qui eurent recours à ce moyen rapide et pratique de garder la trace d'une intervention éphémère.

Enfin, dès les années 1980, des artistes tels que Knut Marron ou Corinne Mercadier ont pris le parti de reproduire et d'agrandir leurs polaroïds, afin de mettre en évidence le grain, le contraste et la matière si spécifique et séduisante de ceux-ci...

Photo Clotilde Noblet

Ecriture spontanée, prise de note visuelle... , le Polaroïd, dans lequel Robert Frank inscrit, grattant la gélatine, des mots très simples, ordinaires, a depuis le début parti liée avec l'autobiographie, le journal intime et le topique du banal. L'inimitable bruit sourd et mécanique du pola surgissant de l'appareil magique après le déclenchement, puis l'apparition progressive de l'image unique et miniature, sont indéniablement séduisants !...

Preuve du nouvel engouement que suscite ce procédé, qui a failli disparaître totalement, environ 800 visiteurs auraient été présents lors de l'inauguration le 25 juin dernier !
L'ambition de la galerie est de montrer, et de mettre au même niveau, qu'il s'agisse des tarifs et du mode d'exposition, les Polaroïds de photographes très reconnus voire très reconnus (Lise Sarfati, Araki...), avec ceux d'autres artistes reconnus, débutants.

L'accrochage est remarquable et reflète parfaitement ce parti pris : sur deux murs, courent les minuscules polas intimistes, collées sur un carton neutre carré, inscrits dans un cadre blanc, sur quatre niveaux. Pas de cartels, d'indication de noms...

Hélas, les artistes n'ont pas tous joué le jeu et il existe de grandes disparités de prix. 2000 euros pour un Pola de plasticien, alors qu'un collectioneur averti et aisé pourrait s'offrir, pour quelques milliers d'euros de plus, aisément, un Walker Evans... Dans les prix réalistes et modérés, signalons quelques travaux très aboutis, dont certains sont formellement radicaux :

Clotilde Noblet, l'une des plus talentueuses polaroïdistes françaises actuelles, exposée d'ailleurs il y a quelques mois dans Foto Povera 4, dans l'atelier de Jean-Luc Paillé ( Cf. http://fotopovera.blogspot.com/2008/06/la-srie-de-polarods-sx-70-alice-raide.html)

Photo Dominique Mérigard

Ou encore Dominique Mérigard, avec ses images intimistes aux subtiles jeux de lumières et de transparences... ou Nelson Aires, qui propose un radical fondu au noir : un Polaroïd entièrement noir !

POL / A

du 25 juin au 1er août 2009
label hypothèse
Galerie Nivet-Carzon, Paris
40, rue Mazarine
75006 Paris
+33 (0)9 54 29 30 10
galerienivetcarzon@gmail.com
http://www.nizet-carzon.com/
ouvert du mardi au samedi de 14 h 30 à 1930

« Anti-poussière pas sorcière », un autoportrait-sténopé de Judith Baudinet, par Juliette Meliah

2009-07-05T04:47:00.000-07:00

Photo Judith Baudinet,

« Anti-poussière pas sorcière , 2008 »

(Sténopé / Pinhole)

« Anti-poussière pas sorcière », affirme Judith dans son autoportrait nu au balai. Cette dénégation est-elle à prendre au pied de la lettre ? Que sait-on d’elle, à part qu’en ces temps où l’on ne parle plus que de méga pixel, elle persiste à prendre ses photographies à l’aide d’une boîte à thé percée d’un trou ? N’y a-t-il pas de la magie dans la façon de faire ? Et pour filer le contresens assumé, la femme-artiste n’est-elle pas nécessairement sorcière ? Surtout si elle décide, en dehors de toute médiation masculine, de mettre en scène son propre corps nu. Devant un corps sinueux comme un serpent qui s’élève au-dessus de nous, avec la perspective arrondie caractéristique du sténopé qui plonge les coins de sa chambre dans une pénombre évocatrice, on se sent comme au fond de sa marmite à potion qu’elle scrute et s’apprête à remuer du bout de son balai volant-baguette magique-cuillère en bois.

« Anti-poussière pas sorcière », Judith le dit et nous devons la croire, ce balai n’est pas un balai de sorcière, n’est pas un sceptre de reine, n’est pas une colonne du temple. C’est un bête balai, un pauvre outil prosaïque pour dépoussiérer les sols, moins efficacement qu’un vrombissant aspirateur, tellement moins magique que ces nouveaux aspirateurs automatiques : ne perdez plus de temps à nettoyer vos sols : l'aspirateur Roomba dans l’air 1600 le fait pour vous ! La poussière, ennemie ancestrale des femmes au foyer et des photographes, est la double ennemie de la femme photographe qu’est Judith, qui choisit de se mettre en scène en femme d’intérieur (le reste de son travail de reportage dans les rues de Massy, nous montre que c’est une mise en scène et que si elle est cela, elle est bien plus que cela...)

« Anti-poussière, pas sorcière », le titre est donc humoristique, ironique. C’est une caractéristique récurrente des autoportraits nus féminins, une caractéristique irritante pour certains amateurs d’art et de corps, comme Edgar Morin en éditorial d’un magazine Photo spécial autoportraits nus féminins qui préfère un autoportrait nu « humble », « sérieux », voire « tragique ». Mais Judith n’a que faire de l'humilité, et réserve son sérieux, sa capacité d’exprimer le tragique, par exemple la tragédie sociale d’une « Allée de Bagdad » jonchée d’ordures, avec des barres de béton à perte de vue en arrière-plan. Pour l’autoportrait nu, espace de liberté artistique, la pirouette est permise. Par exemple Judith se représente comme prête à passer un petit coup de balai, mais vêtue d’un simple slip noir et surtout, de chaussures à talon qui à la fois gainent et dévoilent la jambe et font d’elle une troublante « sténo-pin-up ». De même, la pose, assise, les jambes écartées, la main en appui sur la cuisse, pourrait être vulgaire et ne l’est pas par la magie de sa boîte à photo, qui floute, déforme, adoucit les contours et exagère les ombres, et transforme ces jambes en M, en zig-zag d’éclair, en courbe croissante puis décroissante qui enchante…

« Anti-poussière » pas sorcière, d’accord. Le balai n’est pas un balai volant, d’accord. Judith Baudinet n’est pas Hermione Granger, d’accord. Nous, spectateurs, ne sommes pas non plus un crapaud barbotant dans un chaudron. Mais comment évacuer si facilement la magie du procédé ? Une femme qui attrape des images dans une boîte n’est-elle pas nécessairement magicienne ?

(Juliette Meliah*, juillet 2009)

*« The female photographic nude, between art and non-art. A study of the conventions in the works of Mapplethorpe, Arbus and Woodman, and their artistic status », soutenu en septembre 2002, sous la direction de Claire Joubert, un mémoire de Master 2 (Paris-8, Saint -Denis) que rédige actuellement Juliette, qui, photographe, a participé par ailleurs à plusieurs étapes de Foto Povera...

http://www.flickr.com/photos/meliah/
http://www.myspace.com/lightintheface/

« Archi-Balnéaire, l'horizon vertical », inauguration à la Médiathèque Noailles, Cannes, le 10 juillet 2009 »

2009-07-01T07:23:00.001-07:00

Les sténopés de Judith Baudinet (exposition dans les rues de Massy en octobre 2009)

2009-06-28T07:46:00.000-07:00

Photos Judith Baudinet

Judith Baudinet exposera des tirages de très grande taille en octobre 2009,dans les rues de Massy.

La photographe a décidé, et j'aime beaucoup ce parti pris, d'intégrer les architectures et leurs distorsions, dues à l'utilisation d'un sténopé « fait maison » (sur lequel on peut lire des slogans auxquels je ne peux qu'adhérer, tels qu' « utopistes debout ! » ...) dans des vitrines d'immeubles - qui font eux-mêmes l'objet d'une deuxième étape de prise de vue avec un boîtier classique, mais sans être distordues elles...

L'insertion des architectures « sténopisées » dans les vitrines crée une surprenante profondeur ; fenêtre dans la fenêtre, architecture dans l'architecture, tout est ici jeu de répétition est de décalage : on passe de la couleur au noir et blanc ; des conventions de la perspective euclidienne aux déformations (en réalité plus proche , rappelons-le, de ce que perçoit notre oeil) crées par la rustique camera obscura « home made ».

Bien sûr, pour l'instant, ce n'est qu'un montage réalisé sur photoshop, puisque le projet est en cours de réalisation : la photo joue, aussi (comme les maquettes des architectes etc.) une fonction testimoniale par anticipation : elle s'affirme donc, plus que jamais, comme une projection mentale !...

Exposition : affichage très grand format dans toutes les rues de la ville de Massy... Vernissage le 16 octobre 2009

Ce projet est soutenu par la ville de Massy, par l’Etat dans le cadre de la Politique de la ville, par la Direction Régionale des Affaires Culturelles d’Ile-de-France et par l’Académie de Versailles.

Projection des « Littoralités » aux Rencontres Internationales de la Photographie d'Arles (2009)

2009-06-26T05:30:00.000-07:00

... ainsi que les photographies de Julie Vola et les vidéos de Benoît Géhanne et Marion Delage de Luget, le vendredi 10 juillet sur la Place du Sauvage pour la Nuit de l'année OFF, à partir de 21h30.

L'atelier du midi
1 rue du sauvage
13200 Arles
04 90 49 89 40

Parution de « Brest avec Holga » de Jean-Louis Potier (nov. 2008)

2009-06-09T06:42:00.000-07:00

Photos Jean-Louis Potier,

issues du livre Brest avec Holga, 2008.

Brest avec Holga : le titre du livre Jean-Louis Potier fait référence, bien sûr, au livre de Frédéric Lebain (Mes vacances avec Holga, 2004), qu'il confie avoir aimé lors de sa sortie... Toutefois passer des vacances à Brest, ville portuaire presqu'entièrement détruite en 1944 par les bombardements des Alliés et donc reconstruite après guerre, est une perspective a priori moins séduisante que celle e séjourner dans une station balnéaire ensoleillée.

Mais Brest possède aussi son charme vernaculaire. Flous distanciateurs et distorsions dues à la médiocre qualité de l'optique en plastique du Holga participent d'une ironie tendre.

Brest avec Holga de Jean-Luc Potier, textes de Philippe Lannuzel, Jean-Luc Potier et Julien Bolle, Cloître Editions , 2008.

http://jeanlouispotier.blogspot.com/2009/02/brest-avec-holga_9659.html

Foto Povera 5 à Atlanta (par Darin Melton), mai 2009

2009-06-08T06:50:00.000-07:00

Photo Darin Melton, "Nolan 6" (Holga)

Inauguration de Foto Povera 5 à l'Opal Gallery d'Atlanta (4 juin 2009, 18 h-21h)

2009-06-04T03:09:00.000-07:00

Photo Bruno Debon,

de la série "Spectres et Divertissements"

(Photophonie)

Ce collectif informel réunit des photographes adeptes des pratiques alternatives : sténopé, Holga, Diana et autres appareils-jouets, Brownie box...
Yannick Vigouroux

This informal collective brings together talented photographers who take an alternative approach to their medium by using sténopé, Holga, Diana and other toy-cameras. Brownie box...
Curated by: Yannick Vigouroux.

« Widows & FOTO POVERA 5

« Pourquoi cette récurence du motif hopperien de la fenêtre, chez les artistes qui exposent àl'Opal Gallery, qui a tant orienté à l'évidence notre sélection d'images, avec Constance, pour Foto Povera 5.

Tant cela semblait évident ?...

Quelques pistes de réponses... auxquelles j'ai tant pensé ces derniers mois.

La fenêtre, rectangle ou carré voire cercle transitionnels entre l'intérieur et l'extérieur, s'ouvre ou se referme, tel un obturateur d'appareil-photo, sépare et relie l'espace de l'intimité (celui du retrait introspectif ?) et l'espace publique (celui de l'exposition socio-professionnelle ?).

La fenêtre est aussi un miroir, parfois, comme je l'ai constaté chez certains auteurs...

Photo Didier Cholodnicki, « Andalousie, Espagne »
de la série « De nul part »
(Diana)

Une constatation s'impose, vis à vis de ces photos, selon moi : dans ces images, les fenêtres, avec leurs stores et leurs rideaux, et avec d'infinies nuances entre l'opacité absolue et la clarté aveuglante, éclairant ou assombrissant au contraire la pièce qu'on imagine volontiers « cubique » (qu'elle soit hors cadre ou non), oui cette ette pièce ressemble alors beaucoup à cette camera obscura dont on connait le principe depuis l'Antiquité ; et à ces sétnopés – simples boîtes à images percées d'un trou, dénuées d'optiques – et aussi , à peine plus élaborés, à ces box brownie et autres appareils d'amateur ou jouets !...

A la réflexion, ces images souvent percées – ou refermés par elles – de fenêtres, évoquent beaucoup cette expérience originaire que tant d'entre nous ont vécu : on habite occasionnellement ou l'on se promène, l'été le plus souvent (mais pas forcément, mais cela marche mieux lorsque la lumière est forte), dans une maison, ou une autre construction. Et venant d'un trou dans le mur, accidentel ou non, la lumière extérieure projète une image inversée et mouvante inattendue, « transparente », « blanche » sur le mur opposé. C'est « magique », semble-t-il...

Mais, plus fréquement, dans notre quotidien, ce sont des ombres portées et donc sombres, à la manière de celles, plus angoissantes, du cinéma expressionniste allemand des années 1920 (je pense en particulier à Murnau et à son célèbre Nosferatu...), inversées comme un négatif, que nous rencontrons.

Reste que le bâtiment destiné à une toute autre fonction au départ que celle d'être une grande « camera obscura » ou « lucida », habité mais parfois abandonné et même en ruines, s'apprente souvent dans ces photos exposées à Atlanta à des fabriques d'images mentales : c'est la raison pour laquelle, nous photographions ainsi, et choissions c'est lieux – et avons choisi tout naturellement ces images pour l'exposition.

Nous avons tous vécu notre chambre d'enfant, .. vivons adultes dans notre appartement ou l'une des pièces de notre maison, que nous le sachions ou non, comme dans un sténopé, me semble-t-il. Une boîte à recevoir, enregistrer, et, en même temps, le plus souvent, à fabriquer ces images ?...

(Yannick Vigouroux, 2 juin 2009) »

Un grand merci à Constance pour son invitation et à tous les photographes américains et européens qui ont accepté de participer à cette aventure avec autant d'enthousiasme !

http://www.theopalgallery.com/

Mon « élevage de poussières sténonumériques »

2009-05-09T06:12:00.000-07:00

Photo Yannick Vigouroux,

« Port-en-Bessin, Normandie, 2009 »,

de la série « Littoralités [numériques] »
(sténopé numérique / Digital pinhole)

Jaime conserver les poussières qui résultent de l'utilisation de mon sténopé numérique (le capuchon en plastique percé d’un trou qui remplace l’optique brisée n’est pas parfaitement étanche), en référence notamment au cinéma d'épouvante japonais contemporain : dans Ring (1998) des mouches ou insectes sombres polluent, occupent l'écran de télévision, dans un bourdonnement oppressant...

Jean-Louis a évoqué « L’Elevage de poussières » (1920) photographié par Man Ray sur « Le Grand Verre » cassé de marcel Duchamp, je n’y avait pas pensé, mais j’aime l’idée de « cassure » en particulier.

J’aime malmener la technologie, l’idée de la briser littéralement en arrachant une optique. Dans Ring justement, la malédiction est transmise par différents appareils : téléphones, écrans de télévision, magnétoscopes contaminants… et bien sur révélées par des appareils-photos (les visages sont horriblement déformés dans les photos produites) ! J’en parlais avec Didier hier au téléphone, après avoir cité Willy Ronis, qui m’a confié récemment que lors de sa longue carrière, il n’avait jamais eu envie d’utiliser des boîtiers haut de gamme, leur préférant des Rolleiflex bi-objectifs et des Foca (dont les optiques sont d’ailleurs d’excellentes qualité) : rejet de la part de Didier comme de la mienne du fétichisme des appareils et des marques, qu’il s’agisse d’un Diana en plastique désormais à la mode, ou d’un onéreux Leica ou Hasselblad. L’ « appareil-photo n’est qu’un outil », comme le dit Didier, au mieux une « machine à poésie », pour reprendre la belle expression de Nancy Rexroth.

Sténopoulpes et visages en forme d’étoiles de mer…

2009-03-24T11:07:00.000-07:00

Photos Yannick Vigouroux, sténopés numériques / digital pinholes

L’un des intérêts du travail d’editing précédant l’exposition de photographies inédites (du moins sur les murs), en l’occurrence Foto Povera 5 à Atlanta (juin 2009), réside dans la découverte (ou redécouverte) de motifs et donc d'obsessions récurrentes, comme tous ces portraits et autoportraits qui ressemblent tant à des "sténopoulpes" et des étoiles de mer…

Vive la poulpitude ?...

Parution de « Baby Box » de Daniel Challe

2009-02-04T07:28:00.001-08:00

Exposition « Les lieux communs ont quelque chose d'extraordinaire » à l'Atelier du Midi, Arles, fév. 2009

2009-02-02T04:05:00.001-08:00

Les sténopés numériques de Driss Aroussi

2009-02-02T03:55:00.000-08:00

Photos Driss Aroussi, « Sans titre, 2008 » (sténopés numériques / digital pinhole)

« A travers un petit interstice de la taille d'une tête d'aiguille la lumière se glisse lentement jusqu'au capteur sensible puis l'image se fixe.

Le temps est long, l'immobilité est de rigueur pour le sujet, car hors de cette temporalité les formes mobiles deviennent fantomatiques.

Le sténopé numérique qui résulte de cette hybridation (de cette amputation de l'objectif) est marqué dans sa chaire par de multiple stigmates qui lui donnent un aspect voisin au mouvement pictorialiste photographique.

L'omniprésence du flou est pour moi un appel à la poésie des mots, des formes et des couleurs.

Les images vacillent entre tension et relâchement, des grains de poussières et autres matériaux contenus dans l'air viennent eux aussi s'immiscer dans le cadre de l'image pour plus de texture.
Ces expérimentations qui n'en sont plus vraiment, sont des espaces de questionnement autour de la mécanique de captation du visible.

Ce qui m'a intéressé dans un premier temps, c'est de voir comment réagirai l'appareil capteur-enregistreur dans des modes qui nous renvoient au prémisse de la photographie, c'est à dire une boîte avec un trou et un support sensible.

Après les premières prises de vue est venu le temps de la contemplation et de l'interrogation sur ces sténopés.

Ceux-ci évoquent sans doute, comme précédemment dit, le pictorialisme que l'on retrouve dans la photographie ainsi que dans la peinture, ces images se veulent dans une relation au visible dénuée d'un code restrictif, tout y est possible, elles s'inscrivent dans un mouvement alternatif de la photographie contemporaine qui se nomme Foto Povera. »

(Driss Aroussi)

« Spectres et Divertissements » de Bruno Debon

2009-02-02T01:46:00.000-08:00

Photo Bruno Debon,
« De la série Spectres et Divertissements »
(photophonie)

http://yvigouroux.blogspot.com/2009/02/atlanta-coca-cola.html

N'avoir aucune certitude (« Littoralités »)

2009-01-21T02:58:00.000-08:00

Photo Yannick Vigouroux, « Lisbonne, 1998 »,
de la série « Littoralités » (Box 6x9)

Quand on n'a comme moi aucune certitude, le flou est si réconfortant...

Les pixels dématérialisés de mon sténopé (blues hivernal, 12 déc. 2008)

2008-12-12T01:13:00.000-08:00

Photo Yannick Vigouroux,

« Window # 1134, Fort de Saint-Cyr [jour de neige], 9 déc. 2008 »

(sténopé numérique / digital pinhole)

12 décembre 2008. Il fait de plus en plus froid. Depuis qu'il a neigé, la forêt que j'aime tant photographier de ma fenêtre semble, hors du temps, définitivement figée dans une étrange mélancolie cotonneuse. Hier, j'ai eu envie de pleurer mais comme souvent je n'ai pas pu. Les dernières fois que j'ai pleuré, c'est lorsque j'ai appris le décès Édouard, et sans doute aussi, quelques mois après, celui de Pierre. Je pense très fort à eux.

Je continue à écrire et à photographier, mais je ne conserve, contrairement à mon habitude, que très peu de mots et d'images, comme ces pixels dématérialisés, enregistrés par mon sténopé. Ces photos intemporelles et floues, formellement si radicales et délibérément « ratées », m'apaisent.

Exposition « Correspondances. 3 » à l'artothèque de Grenoble, vernissage le 17 déc. 2008

2008-12-04T01:57:00.000-08:00

Photo Bernard Plossu

Exposition « Correspondances 3, photographies de
Bernard Plossu, Yannick Vigouroux, Pierryl Peytavi et Dominique Mérigard »

Vernissage de l'exposition le mercredi 17 décembre à 18H30
en présence des artistes

Artothèque municipale de Grenoble
Bibliothèque Kateb Yacine, 1 cour des érables, Grand'Place

Exposition du 17 décembre 2008 au 7 février 2009

Le 16 décembre à 18 h 30 Yannick Vigouroux animera une table ronde à l'Ecole Supérieure d'Art de Grenoble (25, rue Lesdiguières) autour de la thématique « Foto Povera, des pratiques alternatives » en présence des photographes présentés à l'Artothèque.

My Fisrt "DigitalPinholeMovie" (Bastia, 23 nov. 2008)

2008-11-27T01:10:00.000-08:00

Vidéo Yannick Vigouroux,
« Sténopé numérique, Quai des Martyrs,
Bastia, Corse, 16 h,
23 nov. 2008 »

My Fisrt "DigitalPinholeMovie"...

Lumière entre chien et loup, à Bastia le soleil vient de se coucher sur la mer Méditerranée ; l'eau devient de plus en plus sombre.

Elle me fait penser à une épaisse masse liquide et élastique à la fois, dont le sang coagulerait – celui d'un vaste battement de coeur maritime. Ici, la mer ne se retire pas. Les marées que j'aime tant en Normandie, qui permettent notamment la pêche à pied et de longues promenades, n'existent pas ici. Une mer qui respire, palpite certes, mais semble menacée, comme si elle risquait d'étouffer dans sa stagnation crépusculaire...

C'est ma première tentative de filmer une « Littoralité » : si l'image est flou, le son, lui, comme je m'y attendais, n'est pas dégradé...

Les « Littoralités » portugaises exposées au festival ARTE MARE, Bastia, 22-29 nov. 2008

2008-11-26T02:40:00.001-08:00

Photo Yannick Vigouroux,
« Bastia, Quai des martyrs, 23 nov. 2008 »
(sténopé numérique)

« Les paquebots qui le matin passent la barre
A mon regard apportent avec eux
Le mystère joyeux et triste des arrivées et des départs. »

(Fernando Pessoa, Ode maritime)

Photo Yannick Vigouroux, « Grand angle et Petite Box »,
exposition de photographies du Portugal de Luisa Ferreira
et Yannick Vigouroux, Théâtre Municipal de Bastia.

Dans le cadre du festival Arte Mare, qui a invité cette année le Portugal, j'ai le plaisir d'exposer, à côté des photos de Luísa Ferreira, les « Littoralités » réalisées en 1998 à Lisbonne, jusqu'au 29 novembre 2008 (commissaire d'exposition : Jean-André Bertozzi. Un grand merci Jean-André pour cette belle expérience !).

Photo Yannick Vigouroux, « Grand angle et Petite Box »,
exposition de photographies du Portugal de Luisa Ferreira
et Yannick Vigouroux, Théâtre Municipal de Bastia.

http://www.arte-mare.com/

www.arte-mare.com/spip.php?article1030

www.luisaferreira.com/

« Pour une image précaire (Du Polaroid SX-70 à la photophonie) : entretien entre Bruno Debon, Marc Donnadieu, Bernard Plossu et Yannick Vigouroux)

2008-11-21T02:24:00.000-08:00

Photos Bruno Debon, « 1er fév. 2006 » /

Marc Donnadieu, « Curtain (Le Havre) # 1a » (Photophonie)

A l’origine de cet entretien, il y eut cette discussion téléphonique, dans la soirée du 22 août 2008, avec Marc Donnadieu, dont voici un extrait griffonné alors à la hâte (tant la teneur de ses paroles devaient, selon moi, être sauvegardées) :

« Marc Donnadieu : […] Dans son travail, Marc Trivier tente de se situer au plus précaire des choses ; les photos de Trivier me font ainsi penser à l’écriture de Samuel Beckett. D’autres, comme Bernard Plossu, utilisent la précarité de certains appareils photographiques : l’utilisation de l’appareil-jouet, dans ce qu’il apporte de contrainte, lui permet ainsi d’exprimer quelque chose d’autre, de différent, sans que l’image qui en résulte en soit forcément précaire pour autant.Parfois, je pense que je fais les deux : j’utilise des appareils précaires pour faire ressortir la précarité des images. »

J’ai donc proposé à Marc Donnadieu de poursuivre la discussion à trois, puis à quatre... J’ai interrogé Bernard Plossu, et d’autres artistes, dont les contributions viendront, peut-être, par la suite, étoffer les lignes qui suivent. Prenons le temps que nécessite la réflexion. Pour certains, comme la prise de vue, elle est spontanée, immédiate ; pour d’autres, elle nécessite un temps plus long de maturation, comme leurs image parfois, mais pas forcément…

En effet, pour revenir à l’impulsion de départ, à l’origine de cette discussion, comme moi et Bruno Debon, Marc Donnadieu a beaucoup pratiqué le Polaroid, avant de se tourner, plus récemment, vers la photo au téléphone mobile (la « photophonie », comme on la nomme désormais)… (Voie que, pour ma part, j’ai fini par abandonner au profit de la pratique du sténopé numérique).

Yannick Vigouroux : Peux-tu développer ces notions abordées lors de cet échange téléphonique, en particulier celle de “ précarité ” ?...

Marc Donnadieu : Ce que je voulais dire, c’est que, comme à chaque fois, je me méfie des lectures qui se situent uniquement au niveau de la technique et de l’outil. Dans cette idée de la “ Foto Povera ”, pour moi, ce n’est pas la précarité ou la “ povérité ” pauvreté de l’appareil-photo qui fait la précarité ou la “ poverité ” de l’image.

YV : Mais l’utilisation volontaire ou accidentelle d’un boîtier sommaire n’encourage-t-il pas parfois à adopter une autre posture face au monde, à l’idée que l’on se fait d’une image ? Je suis toutefois conscient, et je rejoins ici entièrement ton point de vue, que l’on peut faire des images très “ précaires ” avec un Leica doté d’une très bonne optique, “ piquée ” comme l’on dit dans le jargon des photographes… Questions dont je me suis entretenu ces derniers mois avec différents artistes, comme Laurent Chardon ou Antoine Zajac, et d’autres…

MD : D’un côté, nous avons des photographes comme Bernard Plossu qui, au-delà de leur appareil-photo habituel, utilisent d’autres types d’appareils-photo, le plus souvent des appareils-photo très simples et très ordinaires – sommaire comme tu le dis –, comme pour mettre en danger leur façon de faire des images. Il y a, bien sûr, chez Bernard Plossu, la nécessité de l’urgence : face à l’absence d’appareil-photo et la fatalité de prendre une image, on achète le premier jetable venu. Mais il y a aussi, au plus profond, cette idée de se mettre en danger, et d’apprendre de par cette mise en danger, à l’instar d’une course d’obstacles.

YV : Qu’en penses-tu Bernard ?

BP : en fait, je continue a préférer l'appellation espagnole de “ camera juguete ” que “ Foto Povera ” !
C'est amusant et créatif , tout ça ! … et cette terminologie espagnole de “ camera-jouet ” me plait vachement ! ”...

Yannick, t ' ai- je déjà dit comment j'ai commencé avec les Agfamatics ?
C'est Jean-Jacques Deutsh, alors redacteur-en-chef de Le nouveau photo-cinéma qui m'avait offert en 1970 un Agfamatic- sensor...

Photo Bernard Plossu, « Paris, 1970 » (Agfamatic)

MD : Chez Bernard Plossu, en effet, on a l’usage d’un appareil-photo pauvre, ces “ camera-juguetes ” qu’il affectionne. Et cela, non pas pour faire une photo pauvre, mais pour se laisser surprendre par cet appareil-photo pauvre. C’est comme un déplacement dans un ailleurs, dans l’étrangeté des choses, comme s’il fallait se positionner à un moment donné dans une altérité vis-à-vis de son propre travail à travers un déplacement de l’outil, des habitudes, du savoir-faire, etc.

YV : Et chez d’autres auteurs, tels que Marc Trivier ?...

Si je pose cette question, c’est parce que, tout comme Bruno Debon (nous étions tous les deux étudiants à l’ENSP d’Arles), j’ai commencé, sous son influence, au début des années 1990, à faire des photos à la box [la publicité de la box d’origine, conçue en 1888 par l’Américain George Eastman, proposait pour la première fois une logique manufacturée, annonciatrice d’une industrie de la photo : « Just Shot, We Do the Rest ! » et, en effet, une fois le film exposé, l’on était encouragé à l’envoyer à l’usine de Rochester, d’où l’on vous expédiait les négatifs et les tirages accompagnés de votre boîte chargée d’un nouveau film vierge…] de faire des photos, après avoir découvert son travail, si littéraire et atypique.

Pour moi et pour Bruno, ce premier véritable appareil amateur de l’histoire de la photographie doté d’une simple lentille, qui est en fait un sténopé miniature à peine amélioré (d’ailleurs, chez Oscura, l’on s’amuse volontiers à enlever la lentille pour pourvoir faire du sténopé sur rouleau, m’a confié Jean-Michel Galley), qui annonce en tout cas une première “ démocratisation ” de la photo dans le geste, et une première (bien que très relative !) démocratisation d’un point de vue financier bien sûr… Utiliser une box a été est reste pour moi expérience originelle, sinon originaire… Je photographie avec un regard débarrassé du poids des conventions issues des utopies technicistes de la modernité bourgeoise… J’aime mettre à mal ces utopies.

MD : Pour d’autres photographes que Bernard Plossu, comme Marc Trivier, de mon point de vue en tout cas, l’image est dans un état de précarité, de pauvreté, de “ povérité ” qui ne vient pas de l’appareil, bien au contraire. Il s’agit de faire renaître l’image comme au premier matin du monde, à partir d’un degré zéro qui ouvre sur une épiphanie, une condensation entre, d’un côté, toute l’expérience de la vie et du monde, et de l’autre, l’innocence d’un premier regard – ou d’un regard premier – sur le monde, comme pouvaient l’être à la fois ceux de Saint François d’Assise et de Saint Jérôme, sainte Thérèse d’Avilla et de Saint Augustin.
Autrement dit : comment croire encore au monde à l’intérieur même d’une extrême lucidité du monde. En cela, je rapprocherais l’écriture de Trivier de celle de Beckett ou de Jacottet. Pour construire cela, il faut parfois des outils extrêmement sophistiqués et un travail incommensurable. D’autres encore conjuguent les deux, comme Corinne Mercadier par exemple.

Photo Bruno Debon, « Fév. 2008 » (Photophonie)

YV : Marc, Bruno, pouvez-vous me parler du passage du Polaroid SX-70 au téléphone mobile permettant de prendre des photos ? Il me semble qu’il y a plus d’un lien… notamment l’apparition immédiate d l’image, et peut-être des relations plus inattendues ?

MD : Au départ, j’ai utilisé des appareils-photo Polaroid pour trois raisons. Tout d’abord pour un rapport au temps : avec eux on peut capturer un bloc de temps dans l’image, et quelque fois un bloc de temps articulé à un bloc d’espace, et/ou inversement. Ce qui donne naissance à un passage inscrit dans l’image, une durée autant qu’une traversée. Ensuite pour un rapport à la couleur. Quand on utilise le Polaroid dans ses marges, on n’obtient plus les couleurs réelles, les couleurs des murs ou des objets par exemple, mais la couleur de la source de lumière qui éclaire la scène, et plus précisément la couleur associée à a température de la source de lumière qui éclaire la scène. On obtient ainsi un faux monochrome, une couleur climatique, atmosphérique, dominante, qui vient “ surcharger ”, “ oblitérer ”, les couleurs existantes réelles. Elle ne les annule pas, elle ne les fait pas disparaître mais les baigne dans un autre état, proche de l’aube ou du crépuscule. Là encore, on est dans un bloc, une épaisseur, une densité. Enfin, à partir de là, on se rend compte que l’appareil peut fonctionner comme une gomme qui efface ce que l’on veut, ou comme un pinceau d’aquarelle qui souligne ce que l’on veut.

YV : C’est ce que recherche aussi, me semble-t-il, Corinne Mercadier, qui opère par dépouillement progressif (un tirage en couleur est reproduit à l’aide d’un appareil Polaroid, image qui est elle-même agrandie) des couleurs et de la matière pour obtenir au final une image quasi monochromatique, sans profondeur, dans lesquelles l’espace comme le temps semblent suspendus…

MD : Et c’est ce que j’ai retrouvé plus tard grâce au téléphone mobile. L’autre point commun, c’est que, dans les deux cas, on voit l’image immédiatement. C’est le paradoxe de ces images, elles sont rapides et immédiates alors même que qu’elles capturent des durées paradoxales, très longues ou hors du temps, de la présence, presque de l’aura ou des fantômes.

YV : J’éprouve le sentiment face à certains sténopés réalisés par Felten-Massinger, Guillaume Palat, le collectif Oscura : l’image, du fait du long temps de pose, ressemble à une lente coulée d’espace-temps.

Si je me souviens bien, à l’occasion de l’exposition Foto Povera 3 au Centre Photographique d’Ile-de-France (Pontault-Combault) en 2005, tu avais déclaré, lors d’une table ronde, que tu voulais enregistrer “ la chaleur ” du monde, et que, d’une certaine manière, c’était celle-ci qui produisait la photo ?...

Photo Marc Donnadieu,
« Halo bleu #4 Christian (série pour CB) »
(Photophonie)

Cela me conduit à la problématique de la notion d’ « auteur », qui suscita nombre de débats durant le XXe siècle en particulier, en littérature… En photo (dans le cinéma aussi bien sûr), la question se pose depuis les origines puisque celle-ci est considérée comme un “ art mécanique ” de reproduction, d’ailleurs la notion d’ “ art ” ne pèse pas du tout dans la balance au départ, puisque le souci de Nicéphore Nièpce était avant tout de réaliser les meilleures reproductions possibles d’œuvres d’art à l’aide du bitume de Judée, chimiquement, et d’une camera obscura, physiquement.

Or l’activité actuelle d’un collectif tel qu’Oscura, pose à nouveau cette question de manière frontale, pour d’autres raisons : est-ce le photographe membre du collectif qui a fait la photo, au Mali par exemple, l’enfant ou l’adulte de ce pays qui, aidé, conseillé par lui réalise son autoportrait, voire la boîte de conserve ou de Coca-Cola percée d’un trou d’épingle ? Tous sont-ils auteurs, y compris la boîte, et se partagent la paternité de la photo ?

MD : Je ne vois pas vraiment à quoi tu fais référence à travers cette notion “ d’auteur ”, mais il est vrai que pour moi, à l’intérieur de ma pratique propre, l’appareil-photo d’une certaine manière fait la photo, il est tout autant l’auteur de l’image que moi, presque le co-auteur. Mais jamais l’outil fait pas regard !

YV : Certes “ l’outil ne fait pas le regard ”, tu as raison, mais parfois, et souvent, “ l’outil encourage à initier, produire un certain regard ”… Ainsi, Bernard Plossu aime dire que…

Bruno Debon : Tu sais, Yannick, la question des appareils me laissait sec… En revanche, étant sur le point d’attaquer un magnifique plateau de fruits de mer plus colorés et brillants que les yeux de la serveuse, je passais en revue coquillages et crustacés et les odeurs marines, et le paysage nacré de la grève faisait naître en moi une envie de boire une première gorgée de chablis. Putain ! m’écriai-je en soliloque, la serveuse a oublié les outils.

Et là, c’est revenu, le SX-70, j’avais tant désiré l’utiliser, après avoir vu Alice dans les villes de Wim Wenders (1974). La Normande est arrivée, souriante, et plus jolie qu’avant, me présentant ses mains remplies d’outils. Ils sont indispensables et chacun d’eux possède sa fonction spécifique. Pour moi, le SX-70 m’est apparu comme un jouet, d’ailleurs j’en ai cassé au moins trois. C’est vrai aussi que j’ai cassé trois Rolleiflex et au moins autant de photophones… Les bonnes vieilles box sont indestructibles, je me rappelle même avoir réparé l’une de celles de Yannick.

Marc Donnadieu fait à juste titre un parallèle avec le travail de l’écrivain, ses crayons et ses stylos et, comme lui, je pense je pense que l’outil peut relever le trait, gros ou fin, gras ou diffus. Allez donc décortiquer une araignée [de mer] bien pleine avec un cure-dent !

Plus loin, dans la discussion, Yannick, tu parles de ces instants photographiques à la box comme des « lâcher-prise », comme si tu reconnaissais à la lumière, au monde, une possible paternité ou maternité photographique. La simplicité ultime de ces outils initieraient-elles une sorte d’osmose, une pression créative active ? Marc, parlant de sa pratique propre, avance même l’idée de l’appareil-photo comme « co-auteur »…

Photo Yannick Vigouroux,

« Window # 977, Luc-sur-Mer, Normandie, 2 sept. 2008 »
(sténopé numérique)

YV : Je suis entièrement d’accord avec Marc. Le soleil, et sa lumière originelle et originaire, source de vie, des êtres et des choses, captées, souvent déformées par les camera lucida et camera obscura connues depuis l’Antiquité, puisqu’Aristote en connaissait les principes, est l’Auteur principal avec les différentes boîtes « primitives » d’enregistrement que j’utilise. C’est donc même plus qu’un co-auteur. Je crois qu’il faut revenir, dans un contexte où les artistes, plus que jamais, en tout cas ceux qui « réussissent », et sont sur-subventionnés selon moi, ont un ego hypertrophié et se prennent pour des “ Dieux vivants ”, encouragés il est vrai en France par des scribouillards qui jouent aux critiques d’arts alors que ce ne sont que des journalistes qui font rapidement et mal leur métier : des copier-coller à peine modifié des textes des dossiers de presse. Pour paraphraser le titre d’un recueil d’articles de Jean Dubuffet, je me considère comme un « homme du commun à l’ouvrage », avant tout. Et cet « homme du commun », visant approximativement avec sa box, a souvent le sentiment que c’est la lumière et le sujet qui lui dicte l’image. Et je répond alors parfois, mon attachante box rudimentaire dans les mains, avec une lenteur qui n’est toutefois pas dépourvue d’excitation, à cette douce injonction…

Bruno, j’aime bien la métaphore que tu files entre les instruments spécifiques et indispensables que nécessite le décorticage d’un crabe, des coquillages, et l’usage d’appareils « primitifs »… Primitifs, oui, ils le sont ces instruments, mais, et peut-être pour cette raison justement, indispensables, pour nous en tout cas ?

Et puis, dans Le Parti Pris des choses (1942), Francis Ponge écrit à propos de L’huître : “ vivants Parfois très rare une formule perle à leur gosier de nacre, d’où l’on trouve aussitôt à s’orner. ”
Je pense forcément à ces lignes en te lisant !...

Mais revenons au rapport si fort, dont les photos de Daniel Challe, Rémi Guerrin, Corinne Mercadier, Bernard Plossu et Nancy Rexroth, pour ne citer qu’eux, témoignent, dans la nébuleuse de Foto Povera…

BD : Cela ferait presque sourire, Bruno sur la page jouant avec sa boîte comme avec un cerf-volant, et le cerf-volant jouant avec lui. Derrière une telle évocation, nous pourrions douter de notre sérieux. Et pourtant, je rigole toujours autant devant « L’Elevage de poussière » de Duchamp photographié par Man Ray. Une assemblée d’une estouffade de fadas dadas et révoltés.

YV : Toujours le langage gastronomique !… et les idiosyncrasies, la faconde du sud de la France. Puisque tu aimes évoquer la Normandie où je suis né, tu le sais, je songe moi, face à cette photo à des moutons, ceux de poussière, mais aussi les ovidésprésalés de la Baie du Mont-Saint-Michel, et, surtout, les vagues moutonnantes de la Manche que j’ai tant photographié et photographie encore dans ma série « Littoralités »…

BD : Aujourd’hui, pour répondre à ta question subsidiaire à propos de mes dernières images prises au téléphone mobile m’a conduit à ouvrir à nouveau l’un des livres de Jean-Philippe Reverdot, intitulé L’Epreuve (éd. Marval, 1998) qui commence par une citation de Samuel Beckett : « en face le pire jusqu’à ce qu’il fasse rire. »

Et moi, je m’embrouille avec ces pinces et pics métalliques, et le jus d’un oursin qui orne un peu plus ma chemise d’une médaille douteuse. Je regarde autour de moi. La serveuse se dédouble dans la baie et se gratte une épaule. Cette huître sauvage quelques heures plus tôt repoussait la vase qu’elle filtra sans cesse, jusqu’à ce qu’on la mange.

La question du photophone m’intéresserait tout autant, mais là, je résume ce que je ressens, pas le temps, pas envie de sortir l’ « artillerie », d’ailleurs quand tu roules en tracteur dans tes vignes quel appareil sortir que ce téléphone qui vibre ? « Allo, Yannick ? Broum Broum je ne peux pas te parler alors je t’envoie trois photos et une phrase que j’ai trouvée sur le net, extraite d’un poème de Jaccottet (Merci Marc) :

« trouver le langage qui traduise avec
une force souveraine la persistance d’une
Possibilité dans l’impossible, d’une fidélité
alors que toutes les apparences disent
qu’il n’est plus maître à qui garder sa foi. »

YV : Oui, cela ressemble beaucoup à la plupart de nos échanges téléphoniques ! On parle indifféremment de photo, de Foto Povera, de cinéma et de littérature, de vin et de cuisine, que du reste… Les viticulteurs sont des alchimistes, comme l’était, mais l’est de moins en moins, le photographe développant et tirant ses photos dans sa chambre noire. Désormais le scanner numérique ronronne de plus en plus, ce n’est pas le même bruit que ton tracteur, mais cela m’y fait penser. Il est hors de question d’évoquer ici nos racines paysannes et ouvrières – Raymond Depardon pleurnichant comme d’habitude sur Canal + m’en dissuade !..., qui oublie d’évoquer les subventions que l’Etat et d’autres financeurs publics ou privés lui accordent largement. La solitude du photographe enfermé dans son viseur, cela n’existe pas ; au contraire, la photo doit nous libérer de ce sentiment d’isolement non ?... Tarte à la crème contre tarte à la crème, je préfère mon lieu commun à celui de Depardon.

Etre vigneron et photographe ; ouvrier du bâtiment et photographe comme je l’ai été ; maçon et photographe (Marc Trivier etc.)… pourquoi pas ?

Puisque, de ce métier, l’on peut de moins en moins en vivre, commercialement (publicité ; mode ; reportages…) et artistiquement (peu d’élus dans les galeries parisiennes, c’est d’ailleurs peut-être pourquoi j’ai d’abord exposé à Barcelone, puis plus récemment à Atlanta, aux États-Unis…) – comment ne pas exercer un métier parallèle alimentaire et tout aussi « noble », quel qu’il soit ?...

Comme je l’ai écrit récemment à un galeriste chez qui j’aurais peut-être le bonheur d’exposer bientôt avec une jeune artiste très talentueuse (Julie Vola) :
« […] mon appartement à Paris n’est qu’un deux pièces, peu de place donc ; certains de mes amis photographes optent pour des formats grands et difficiles à stocker et transporter, au point, parfois, qu’ils ratent des opportunités intéressantes d’exposer parce que le transport est trop coûteux, compliqué, etc. Leur rêve, qu’ils concrétisent souvent [hélas ou tant mieux ?], est de posséder un atelier de 100 à 200 m²… ; moi je me considère comme un « homme du commun à l’ouvrage » ; je ne suis pas différent parce que je suis « artiste », c’est un mythe et une posture qui m’inspire une grande suspicion ! C’est l’un de mes credos fotopoveresques…

Pour « jouer un rôle dans la cité », l’artiste doit se fondre avec ses semblables plutôt que de s’en distinguer, de s’en singulariser ; ce qui compte, ce sont ses productions, pas son mode de vie, ou peut-être si, justement : quelqu’un qui se réclame de la Foto Povera devrait se reconnaître dans l’« Homme du commun à l’ouvrage », selon moi…] »

Mais, après cette digression, Bruno, revenons à l’influence de Philippe Reverdot…
L’opacité de te dernières photos faites au téléphone mobile, où le sujet semble hésiter entre l’apparition et la disparition, la transparence et l’obscurité, n’est-elle pas une réminiscence des tirages argentiques de Philippe Reverdot, dont tu as évoqué un livre dans cet entretien ?

BD : Reverdot, c’est bien, et les zones sombres de Meatyard, et les Polaland de Frank aussi… Depuis dix ans, je griffe la terre, les vignes sont parfois malades mais à chaque fois donnent de beaux fruits.

YV : Continuons donc à griffer le réel, inscrire de mots derrière les images, voire, comme l’a fait Robert Frank, dans ses Polaroids, à inscrire cela dans la gélatine ; à ne croire en aucune vérité univoque. Merci à toi, Marc et Bernard pour cet échange.

« A propos de " Revenir ? Part I et II "», par Emmanuel Madec

2008-11-20T01:19:00.000-08:00

Photo Emmanuel Madec, de la série « Revenir ? Part I » (Holga)

« En deux parties distinctes, " Revenir ? " livre l'expression d'un état psychologique.
L'ensemble photographique est construit d'images-mémoires qui balisent un parcours marqué par un éloignement progressif, non prémédité et attisé par le sentiment qu'il faudra aller loin. Loin de quoi ?
Il y a un jeu mental entre ces deux parties, où la seconde s'invite dans la première, et d'où s'échappe une certaine fébrilité. L'entrelacement de " Revenir ? " joue sur la récurrence des motifs et forme le fil d'un cheminement exploratoire à deux versants.

Ce cheminement, c'est l'expérience de la distance qui engage avec elle le doute. Le même doute qui s'installe entre l'objet photographié, déjà avalé par le temps, et l'apparition de son absence après la période de " black out " nécessaire. Arrive alors le moment des articulations entre les images, muettes par essence, mais d'où émane une tension qui parfois, par un mimétisme des ondes, ressemble à s'y tromper à des sons, des bruits. Les sons du dehors et du dedans, les murmures et les frottements du monde extérieur trouvant leur écho dans des battements intérieurs.

Le parcours de " Revenir ? Part I ", est celui de la pratique de l'instant, se dirigeant vers la pratique de la contemplation, et à travers lequel apparaît la conscience d'un monde intérieur à considérer différemment. " Revenir ? Part II " montre ce monde intérieur de manière trouble et insondable. Les éléments composant ces images, laissent penser qu'ils se faisaient auparavant engloutir dans l'oubli, avant d'être rattrapés in extremis.

Ce travail aurait pu être réalisé avec un autre appareil que l'Holga. Mais, cet instrument a la singularité d'enregistrer la lumière avec mélancolie et donne la sensation que les choses sont vues depuis le plus profond de l'être. C'est aussi parce qu'il est peu coûteux, que je n'y suis pas attaché et que je peux le casser. Dans les deux sens : je ne crains pas qu'il se brise et je me réserve le droit de le détruire. Cela correspond à l'état transitoire que l'on peut partiellement identifier dans cette double série photographique. »

(Emmanuel Madec, nov. 2008)

« Redevenons BIBI FRICOTIN !!! (Photos faites à l’Agfamatic, “pour enfants”) », par Bernard Plossu (1970)

2008-11-17T04:21:00.000-08:00

Photo Bernard Plossu, « Saint-Nizier, Dauphiné, 1971 » (Agfamatic),
extraite du livre Nuage Soleil, éd. Marval, 1994, p. 22

Bernard Plossu a retrouvé récemment un texte qu’il a rédigé en 1970, et je suis très heureux de le publier sur ce blog, presque quarante plus tard… Il est très émouvant pour moi, à bien des égards : d'abord parce qu'il est inédit ; ensuite parce que je suis né cette année-là, j’étais donc un enfant ; pendant les années à venir, mes parents vont beaucoup utiliser, dans un cadre familial, Agfamatics et Instamatics.

Comme je l'ai confié dans un e-mail à Bernard :

«Sais-tu que je suis... né en 1970 ! Les années qui ont suivi, j'étais fasciné par l'Instamatic (je l'ai toujours) qu'utilisait mon père, pour me photographier avec ma petite soeur, Gwenaëlle ; fasciné aussi par ce Flash Cube aveuglant. J'ai pris ma première photo en 1977 avec : elle montre mon père, que j'accompagnais sur un chantier ce jour-là, cueillant un blanc bouquet d'aubépines pour ma mère dans une haie ; il venait de me confier l'appareil en m'intimant de ne "surtout pas déclencher "- j'ai fait le contraire bien sûr ! Ma première photo est née d'un désir de transgression... »

En ce début de décennie, Nancy Rexroth réalise les premières photos de sa série « Iowa », avec un Diana en plastique (sa « machine à poésie ), et bien sûr, Bernard décide de faire des photos à l’Agfamatic à des fins artistiques.

C’est aussi la décennie des dernières photos de Walker Evans, prises avec un Polaroïd SX-70, des Polaroïds en noir et Blanc de Robert Frank, qui gratte la gélatine pour y inscrire des mots ou des phrases très simples…

« Photos faites à l’Agfamatic, “pour enfants”, c’est-à-dire une “technique enfantine”…

Rien à régler, on met juste sur le petit dessin de “nuage” ou de “soleil”.

Un rêve ! En fait d’enfantin, ce sont les appareils les plus révolutionnaires ! Pensez, il n’y a même plus à régler, il suffit d’appuyer : on peut photographier avant même qu’on ait eu le temps de se demander si on allait prendre la photo ou pas !

On a même plus le temps d’hésiter.

Plus rapide que du reportage !

La photo avec l’Agfamatic, ou tout autre Instamatic, permet d’aller plus vite que la pensée ; elle est la prise de vue à l’état de pure spontanéité, l’anti-Freud, l’anti-Sartre, elle fonce droit au but, elle libère totalement de la timidité, elle permet aussi de photographier en riant, en découvrant à nouveau le monde avec, justement, la naïveté, le bonheur, la fraîcheur et l’immédiateté d’un enfant.

Grâce à la simplicité extrême de ce jouet de l’image, nous nous libérons enfin de notre complexe d’être un photographe adulte : Redevenons BIBI FRICOTIN !!!

Et la photographie ainsi libérée de toute technique encombrante, devient enfin le cri photographique qui nous offre la liberté totale de voir, et d’aller plus vite que notre cerveau.

Enfin la vison retranscrite à son niveau le plus pur. »

(Bernard Plossu, 1970)

A lire aussi, cet entretien avec Bernard :

http://fotopovera.blogspot.com/2008/04/entretien-avec-bernard-plossu-paris.html

La série « Revenir ? » (2) d'Emmanuel Madec (Holga)

2008-11-13T02:37:00.000-08:00

Photo Emmanuel Madec, « de la série "Revenir ?" » (Holga)

Une main blanche surgit d’un rideau, est-ce le gant d’un mime ou les doigts décolorés, exsangue, d’un spectre ? Énigmatique elle ne révèle rien ; elle reste figée dans l’instant d’un geste inachevé, définitivement suspendu. Que dissimule cette étoffe ? L’individu invisible est-il en train de la refermer sur lui, ou tente-t-il au contraire de s’en extraire ?

Un arbre dont les branches semblent se replier sur elle-même, tel un poing crispé, ponctuée, telle une petite note insignifiante, fluette et à peine perceptible, sur la portée musicale d’une musique photographique très personnelle, par la présence minuscule d’un passereau…

Une main végétale. Ou anthropomorphisme végétal.

Une autre main, noire cette fois, posée sur le siège bleu d’un train… Par contraste, la chemise de l’homme est bien blanche, ce qui aimante le regard (comme la main accrochée au rideau de l’autre photo).

Photo Emmanuel Madec, « de la série "Revenir?" » (Holga)

Ce ne sont pas là de simples jeux formels, bien sûr.

Les photos prises par Emmanuel Madec avec un appareil Holga, « grande sœur » du Diana (les deux appareils-jouets sont entièrement en plastique), « machine à poésie » selon Nancy Rexroth, semblent souvent, comme les photos de Valérie Sarrouy (Cf. notamment sa remarquable série « Gradiva »), avoir aussi été produites, par ce que je nommerais la « machine de l'inconscient » : à ce titre la première photo évoquée me fait beaucoup penser à une célèbre image de Ralph Gibson publiée dans le livre The Somnambulist (1970) – une main et son ombre portée expressionniste, entrouvrant une porte en bois, qui ressemble tant à un hommage à Nosferatu de Murnau (1922), grand classique du cinéma muet fantastique.

Des rapports étroits de Foto Povera à l’inconscient, au cinéma aussi… Et « Revenir » pourrait bien être, entre autres, une histoire de « Revenants »...

Les photographies d’Emmanuel Madec seront exposées dès janvier 2009, à la galerie Le Lac Gelé, à Nîmes.

http://www.lelacgele.org/

La série « Revenir ? » (1) d'Emmanuel Madec (Holga)

2008-11-13T01:32:00.000-08:00

Photos Emmanuel Madec, « de la série "Revenir?" » (Holga)

Dans un e-mail récent, Emmanuel Madec, qui m’a contacté sur le conseil de Bernard Plossu, m’explique : « "Revenir?" est réalisé avec un Holga que j'ai souvent à ma portée, car il est léger, parce que je peux le casser, et aussi car il correspond bien à l'état psychologique dans lequel je me suis retrouvé lorsque je décidais des prises de vues. »

Les Polaroïds périmés de Stephanie Thomas

2008-11-12T04:02:00.000-08:00

Photo Stephanie Thomas, « Super Colorpack. Expired ID-UV. »

A propos de ses photos doucement intemporelles, aux tons irréels, parfois fantomatiques, comme cette robe floue, dont la virginale blancheur évoque celle d'une robe de baptême ou de mariage, Stephanie Thomas m'écrit :

« Hey!

Thanks for your email. [...]

I absolutely love shooting Polaroids. They're my favorites. I love the noir and nostalgic quality a instant Polaroid has. I also love how unpredictable expired Polaroid film is. And its wonderful... you get an image, an actual picture, in less than a minute ! They're extremely addicting, and it will be a very sad day when I can't find anymore film to shoot!

Stephanie Thomas
Orange County, CA. »

C'est vrai qu'il est étrange, et triste, de songer à l'épuisement des stocks de films Polaroïds, dont la plupart ne sont déjà plus fabriqués. Ces films étaient tellement synonymes d'immédiateté, de spontanéité ! Parcourues de nombreux accidents, altérées, les images de Stephanie sont très émouvantes. Une menace semble planer sur elles. Elles me font penser à des micro-chroniques de la fragilité du support, et de sa mort annoncée...

Clash et Renaissance de Foto Povera (12 nov. 2008)

2008-11-12T02:45:00.000-08:00

Photo Stephanie Thomas,
« Land Camera 440, Expired ID-UV. Santa Monica, CA. »

Désormais, le blog du collectif s’intitule « Foto Povera, des pratiques alternatives ».

L’ancien blog [http://fotopovera.blogspot.com/] est, bien sûr, consultable, mais ne sera pas mis à jour.

« Foto Povera », grâce à la fidélité et l’intérêt croissant des lecteurs du blog depuis son lancement l'an dernier, des visiteurs des expositions, des lecteurs du livre publié en 2005, avec mon ami Jean-Marie Baldner, la même année (Les Pratiques pauvres dans la photographie contemporaine, Isthmes éditions / CRDP Créteil – CNDP), et les brillantes participations théoriques de Jean-Marie Baldner bien sûr, mais aussi Céline Catucci, Marc Donnadieu, Marion Delage de Luget, a connu un succès croissant. Je remercie nos fidèles visiteurs et lecteurs.

Dans ce nouveau blog, je publierai bientôt des informations sur les prochaînes expositions, en 2009, d’Emmanuel Madec et Pierryl Peytavi, à la galerie Le Lac Gelé de Nîmes (Nîmes) ; sur mon exposition avec Julie Vola à l’Atelier du Midi (Arles) ; les prochaînes étapes du « Nouveau Foto Povera », chez Guillaume Pallat, à l'Opal Gallery (Atlanta), ainsi qu'à la même Galerie du Lac Gelé etc..

A venir aussi, la discussion engagée avec Emmanuel Madec il y a quelques jours, qui pratique le Holga, et l'Américaine Stephanie Thomas, qui utilise des films Polaroïds Périmés...

Les sites de Stephanie Thomas :

http://www.flickr.com/photos/phanieisfunny/

http://web.mac.com/stephaniethomas3/alternative%5Bfoto%5Dgraphy_/Welcome.html